Los Molly Maguires

"ODIO EN LAS ENTRAÑAS"
Dirigida en 1970 por Martin Ritt, un director que lo mismo hacía una gran película (HUD), como un coñazo insoportable (UN HOMBRE), narra las vicisitudes de un pueblo minero de principios del siglo pasado en Pensilvania, y de cómo un pequeño grupo de hombres (los Molly Maguires) protestan de diversas formas contra la explotación de los trabajadores; esas formas no excluyen ni el boicoteo ni el asesinato. Así pues, las connotaciones políticas de la película no son pocas, pero afortunadamente, el director no se centra en eso y pretende contar un historia humana, y de paso, meter una pinceladas de denuncia.

Está interpretada, en sus principales papeles por Sean Connery, quitándose de encima, por aquella época su imagen de James Bond, y es quizá el único 007 que lo ha conseguido. Su papel es el de jefe de los Molly Maguires, un hombre rudo con corazón. Ni que decir tiene que Connery es uno de los grandes, y que su sola presencia llena la pantalla.
También sale Richard Harris, de enorme popularidad en aquellos años gracias a UN HOMBRE LLAMADO CABALLO, y que aquí interpreta a un recién llegado al pueblo minero que busca el anonimato debido a un turbio pasado. Está sencillamente sensacional, y eso que Harris nunca fue un actor de mi agrado.
Entre estos dos personajes se establece el eje central del film, de cómo su relación va avanzando hasta llegar a una amistad, y de cómo se confrontan distintos intereses.
Quizás el film sea demasiado largo, hay escenas descriptivas eternas, y por partes cae en el tedio más absoluto. Pero hay algunos momentos, pocos, que son pura poesía gracias al buen hacer de Ritt y a la utilización de una extraordinaria banda sonora del gran Henry Mancini. Pasable.

El universo de Takashi Miike (2)

"DEAD OR ALIVE II"
Después del mal sabor de boca que me dejó la primera entrega de la famosa trilogía del señor Miike, tenía yo muchas reservas para continuar con las otras dos entregas, asique me he armado de valor y ayer noche, muy, muy tarde me vi la segunda entrega.
Con los mismos actores principales de la anterior, pero en distintos personajes, Miike sigue mostrándonos su mundo particular, su personal visión sobre la violencia.
Aquí nos narra la historia de cómo dos asesinos profesionales se "tropiezan" el uno con el otro, y descubren que eran amigos de la infancia; recordarán entonces los viejos tiempos...pero pronto la violencia estallará.

Lo más interesante del film es la primera mitad, cargada con un poco de nostalgia, y tratando temas que hasta ahora no había visto en una película de Miike, la amistad perdida y todo eso. Por momentos hasta parecía una película de Peckinpah.
Cuando llevaba una hora de película, y yo no acababa de salir de mi asombro, pues estaba disfrutando con lo que veía, va el señor Miike y vuelve por donde siempre. La parte final es, una vez más, un continuo golpe de efecto sin el más mínimo interés. En fin, a ver si la siguiente está mejor, por lógica le tocaría. Floja.

La llave del esqueleto

"LA LLAVE DEL MAL"
Iain Softley, autor de las interesantes LAS ALAS DE LA PALOMA y K-PAX, se ha unido a la moda de querer resucitar el buen cine de terror, je...
Para ello ha contado con Kate Hudson, que es algo así como la María Esteve norteamericana, o sea una pésima actriz. Eso sí, los secundarios son de lujo, John Hurt y Gena Rowlands, que es una pena ver como el director ha desaprovechado los enormes talentos de ambos actores.
La historia se centra en una cuidadora de ancianos (Hudson), que acepta el trabajo de cuidar a un hombre que ha padecido una embolia (Hurt), en una enorme mansión donde vive con su mujer (Rowlands), y por la cual se pasa de vez en cuando el abogado del matrimonio, papel que hace Peter Sarsgaard, un poco perdidillo en su rol. Como es norma en toda película de este tipo, en la mansión hay secretos que no pueden ser desvelados, espíritus y chorradas varias.

Con un ritmo cansino y tranquilo, y es que Softley pensaba que así creaba una atmósfera, se nos cuentan unos hechos que verdaderamente no interesan a nadie.
Los "sustos" de la función siguen las pautas establecidas: subida de volumen de la banda sonora, y zas! personaje que aparece en primer plano para decir cualquier tontería.
El haber sido rodada en Nueva Orleans le da cierto aire de estilo, en cuanto a la imagen. Y lo mejor, sin duda, el final; hay que tener valor para terminar una película de esa forma en el actual panorama hollywoodiense; de aplaudir, desde luego. Pero no llega. Muy Floja.

"Larga es la noche que no encuentra al día" Shakespeare

"LA NOCHE ETERNA"
Dirigida en 1947 por Anatole Litvak (de quién os recomiendo que veais VOCES DE MUERTE uno de los clásicos de suspense con Barbara Stawyck y Burt Lancaster), y protagonizada por Henry Fonda, Vincent Price y Barbara Bel Geddes.
Un Thriller típico de aquellos años, los mejores, sin duda, que ha vivido el Cine. Narra el encierro de un hombre en un habitación de un motel, y acosado por la policía que quiere detenerlo, aunque más bien viendo la película da la impresión que lo que quieren es matarlo; en la habitación hará un repaso mental de los días previos y los acontecimientos que tuvieron lugar hasta llegar a la actual situación.


El inicio del film es espectacular, sin desvelar nada, en sólo 5 minutos y con un ritmo frenético aparecen un montón de personajes, cada uno diciendo algo, y Litvak, moviendo la cámara de forma impresionante lo filma todo con una pericia inusitada. Este director desde luego era uno de los grandes desconocidos del Séptimo Arte.
Los actores están sensacionales, Fonda con su aire melancólico y tranquilo, perdiendo la serenidad por una mujer (por quién si no); Price, el villano de la función, con su aire cínico y asomando ya los tics que le harían famoso en el género de terror; y Bel Geddes, quizás un poco descolocada en el conjunto, hubiera quedado mejor una Gene Tierney o una Jane Greer, verdaderas maestras en volver loco a un hombre, o a varios.
Quizás la resolución del film flaquee un poco, por ingenua. Y el ritmo se resiente por la mitad de la película. pero eso no impide disfrutarla enormemente. Buena.

Preguntas sin posible respuesta (8)

¿Por qué a la gente le gusta tanto criticar una película, sobre todo para atacarla, por razones extraartísticas, por ejemplo, la ideología, cuando esto no debería tenerse en cuenta? ¿Por qué las películas americanas son rechazadas por su patriotismo, como si esto fuera malo, pero luego en films como COSAS QUE DEJE EN LA HABANA(hay muchos más) donde se pasan todo el rato diciendo que La Habana es la mejor ciudad del mundo, nadie dice nada? ¿Por qué no se dejan de una vez de tonterías, y se dejan llevar con el corazón, y disfrutan plenamente de una película?

Experimento peligroso

"NOCHE EN EL ALMA"
El gran Jacques Tourneur, directos de obras maestras como LA MUJER PANTERA o RETORNO AL PASADO, dirigió en 1944 este melodrama de intriga con George Brent, un actor característico de la época, y Hedy Lamarr, sin lugar a dudas una de las actrices más bellas que haya dado el Cine.

Narra la fascinación que una mujer (Lamarr) produce en todos los hombres que la observan (a ver cuando el argumento es al revés), sobre todo a partir de un retrato impresionante que un pintor amigo de ella ha realizado; punto éste que la empareja directamente con LAURA de Otto Preminger, realizada en el mismo año (¿coincidencia?... eso no existe). Un médico (Brent) se enamorará perdidamente de ella, como todo bicho viviente, y la ayudará en todo lo posible, pues alrededor de esta mujer suceden cosas extrañas, como que aparece gente muerta y cosas de esas.
Por raro que parezca, las actuaciones dejan bastante que desear, los actores cumplen mínimamente con su cometido.
El guión es uno de esos que tanto gustaba de hacer en Hollywood por aquellos años, pero que en este film peca de previsible hasta la saciedad, e incluso aburrido.
Sólo merece destacarse la labor de Tourneur, uno de esos directores que siempre sabían lo que querían, colocando la cámara en el sitio idóneo, y tratando de narrar lo innarrable con una dirección elegante y majestuosa. Floja.

Xirtam: "La paloma de agosto/the mist covered the mountains"

Nuevo tema para la radio de este blog.
Xirtam fue un grupo que nació y murió en el Café Galego Maeloc, lugar donde el folk y el cine se dan la mano.
Es un set de dos piezas, la primera compuesta por el violinista del grupo en honor a una paloma que en una tarde de agosto de hace 5 años se coló en el almacén del local y hubo que esperar dos días para poder atraparla y que volara libre. Agradecimientos eternos a Antón Bueno por su maravillosa segunda voz al low whistle, y a José "Buggy" Bugliot por prestar sus estudios de grabación y conocimientos durante dos inolvidables días con sus noches, y por aquellas jam sessions impresionantes en el Maeloc y en Mel en Ferrol.

La segunda parte es un conocido tema tradicional escocés versionado miles de veces, una de las más famosas por Mark Knopfler para la película LOCAL HERO. Espero que os guste.

Mis frases favoritas de Cine (2)

"Quiero que sepas una cosa, nunca había sentido antes de este modo.
Nunca había mirado a una mujer y pensado: Si la civilización fracasa, si el mundo se acaba, pero estoy contigo, seguiré comprendiendo qué pretendía Dios"




Jack Nicholson en LOBO

Sesión entre amigos (6)

"VUELVE, PEQUEÑA SHEBA"
Una vez más mi amigo Rubén y yo, y como es costumbre desde hace más de 11 años, nos hicimos una de esas sesiones cinéfilas que tanto nos gustan. Ayer teníamos unos cuantos clásicos para escoger, y nos llamó la atención esta película prácticamente desconocida, e inédita en nuestro país, de hecho su edición en dvd no tiene doblaje al castellano, algo de lo que me alegro profundamente.
Es la ópera prima de Daniel Mann, y protagonizada, en sus principales papeles por Burt Lancaster y Shirley Booth.

Narra la historia de un matrimonio marcado por la desgracia al haber perdido una hija, él ex-alcohólico, ella desequilibrada; y del efecto que produce en ellos el hecho de acoger a una joven estudiante en su casa.
Una película seca y dura, aunque dirigida un poco impersonalmente; quizá se nota demasiado el hecho de estar basada en una obra de teatro.
Lo mejor, sin duda, son sus actuaciones, un Burt Lancaster capaz de pasar de la seriedad a la fiereza con un convencimiento increíble, y sobre todo Shirley Booth en el papel de su mujer, una mujer que no para de hablar, que hace cosas extrañas, por la que el espectador siente una profunda pena a los cinco minutos de proyección, una mujer que añora los tiempos pasados con una profundo dolor que se siente con sólo mirarla. Ganaría un merecidísimo Oscar a la mejor actriz en 1952.
Sin embargo, el guión no está a la altura de las circunstancias, hay un hecho importante en la película, uno de esos giros argumentales, que aunque pueden ser previsibles, no están razonados convenientemente, y por ello la película pierde bastante. Pasable

No te molestes en llamar

"NIEBLA EN EL ALMA"
Dirigida en 1952 por Roy Baker, quien luego se iría a Inglaterra a filmar películas para la mítica productora Hammer, donde ya las firmaría como Roy Ward Baker.
Interpretada por Richard Widmark, en uno de sus típicos papeles, una jovencísima Anne Bancroft, y una insólita Marilyn Monroe, en un papel totalmente alejado de lo que luego le haría famosa.
La película nos cuenta como un hombre (Widmark), en problemas con su novia (Bancroft) tiene una nueva perspectiva de la vida al encontrarse con una mujer (Monroe) que está desequilibrada emocionalmente.

Baker dirige de forma un poco monótona una historia que no interesa demasiado, pues no hay una progresión dramática que explique los hechos coherentemente, sobre todo para entender algunas reacciones de los personajes, por ejemplo todo lo relacionado con la mujer a la que interpreta Bancroft.
Su mayor mérito, y tampoco es para lanzar cohetes reside en las actuaciones de sus principales intérpretes, Widmark tan duro como siempre y Marilyn Monroe que la verdad es que sorprende en su papel de "loca" llevada hasta el límite, verdaderamente interesante, una mujer que sólo vive por y para el amor de un hombre, (algún día hablaré de esa obra maestra de Max Ophüls CARTA DE UNA DESCONOCIDA, que trata a la perfección ese tema...ya se me cae la baba de solo recordarla). Floja.

Con dos palabras defino BLACK HAWK DERRIBADO de Ridley Scott

Obra Maestra

Ella llevaba puesta una cinta amarilla

"LA LEGION INVENCIBLE"
El maestro John Ford dedicó tres películas a la Caballería de los Estados Unidos; ésta fué la segunda de un tríptico formados además por FORT APACHE y RIO GRANDE.
Nos cuenta la última misión de un capitán a cargo de su destacamento, durante los seis días antes de su jubilación, después de toda una vida dedicada al ejército.
El papel protagonista corre a cargo de un extraordinario John Wayne, actor fetiche de Ford, acompañado por los geniales Victor McLaglen y Ben Johnson, dos actores también fordianos.

Con un uso impresionante del color (ganó el Oscar a la mejor fotografía en 1949), la película es más compleja de lo que parece a primera vista. El guión parece una excusa (de hecho, la acción tarda en arrancar) para presentarnos una galería de personajes, todos maravillosos, como era costumbre en el cine de Ford, y todos con una enorme riqueza de matices, y protagonistas de un pequeño momento, cada uno, en el film. O sea, a diferencia de lo que se hace hoy en día, todos los personajes tienen algo que decir.
Como en toda buena película de Ford que se precie, el personaje femenino tiene especial relevancia, papel aquí a cargo de Joanne Dru, con su importancia en la historia, pues era ella la que llevaba puesta una cinta amarilla. Magnífica.

La americana y el inglés

"EL PRINCIPE Y LA CORISTA"
Ver juntos a dos intérpretes tan distintos como Marilyn Monroe y Laurence Olivier es, cuanto menos, curioso. Esto sucedía en 1957 cuando Olivier produjo y dirigió esta película, en la que una corista americana se enamora de un regente europeo en Londres, durante la coronación de Jorge V. Prácticamente toda la acción transcurre en interiores y Olivier sabe aprovechar los decorados que tiene a su alrededor, y con sutiles y elegantes movimientos de cámara logra, a veces, que el espectador se le escape la sensación de estar ante una obra de teatro, algo muy lógico si tenemos en cuenta la procedencia de Olivier. Aún así, éste tampoco puede evitar que la película sea bastante monótona.


Su mayor atractivo reside en el enfrentamiento interpretativo de Marilyn Monroe y Laurence Olivier. Por un lado, ella, americana al 100%, explotando, una vez más, su imagen de prototipo de niña tonta (probablemente, por culpa de ella el dicho de que todas las rubias son tontas se hizo enormemente popular); su ingenuidad y sensualidad chocan de frente con el manierismo de él, inglés al 100%, en una interpretación cuidada, con un trabajado acento, un personaje casi shakesperiano (algo muy comprensible siendo Laurence Olivier).
Por una vez, y a disgusto mío, Marilyn Monroe se "come" a Olivier en una película que no está entre las mejores de los dos.

El azar y el destino, con unas gotas de...

"SEMEN. UNA HISTORIA DE AMOR"
Al cine siempre le ha gustado tratar historias en las que el azar, el destino y el juego de las coincidencias, mezclados con el amor, tengan un papel importante, temas atrayentes para muchos espectadores, ya que casi siempre están revestidos con un halo de magia y misterio.
La nueva película de Inés París y Daniela Fejerman trata, más o menos, de todo eso; y digo "más o menos" porque el hecho de firmar el guión y también realizar el film (tareas que sólo deberían realizar gente con las ideas muy claras y que saben lo que quieren) hacen que éste sea confuso, por no terminar de definirse, a veces parece una comedia mágica y otras veces una comedia tonta, y no hay error más grave que mezclar tonos en un mismo género, a menos que se sea un genio, claro, y este no es el caso.


Con toques a lo AMELIE, la historia parte de cómo un médico (Ernesto Alterio) pone su propio semen para inseminar a una chica (Leticia Dolera) de la que se enamora, a partir de ahí se darán cita una serie de equívocos y situaciones de lo más diverso, que conducirán el destino de los protagonistas. Decir de Ernesto Alterio, que no es un actor, es como un payaso gesticulante que hace el tonto, y encima se le ocurre aparecer al lado de su padre Héctor Alterio (que interpreta a su padre), para que lluevan las comparaciones, odiosas siempre, y pierda, claro; porque el señor Héctor Alterio es un pedazo de actor que llena la pantalla con su sola presencia. Leticia Dolera, a pesar de su simpático doble papel, confirma su inexpresividad, y es que no llega con tener una carita mona, por muy bien que le quede al papel.
La película, a pesar de trampas y errores en su guión, y de su realización impersonal, no es un desastre total, pero podía esperarse más de una historia de estas carcterísticas. Se salvan algunos toques de humor aislados.
Las directoras han decidido seguir su trayectoria profesional por separado. Sabia decisión.

Dolores Keane: "Never be the sun"

Nuevo tema musical para la radio de este blog, comandado por Clint Eastwood y su Honky Tonk Man.
Keane, es sin lugar a dudas una de las mejores voces de la música irlandesa, una voz llena de fuerza y sentimiento.


Con un montón de albums en su haber, el tema escojido pertenece al titulado SOLID GROUND, y está dedicado a su hijo cuando éste era casi un bebé.
Con una letra maravillosa y el violín de Máire Breatnach, espero que os guste.

El universo de Takashi Miike

"DEAD OR ALIVE I"
Ha caido en mis manos, y por cortesía del colega Spifer, experto en cine oriental donde los haya, la trilogía sobre la mafia de Takashi Miike, que se acaba de editar en nuestro país, debido al éxito que este director está teniendo entre los amantes del cine oriental. Antes solo veiamos películas de John Woo y de Takeshi Kitano, bueno, y también de Zang Yimou y Ang Lee, ahora hay que apuntar los nombres para acordarse de todos los directores orientales que nos inundan con sus películas.
Ésta es la primera de una trilogía que Miike realizó entre 1999 y 2003, y es, una vez más, un exponente clarísimo de su universo particular.

Por un lado tenemos a un policía con problemas en su matrimonio y con una hija enferma a la que se debe operar enseguida, por otro lado tenemos a un mafioso cuyo hermano ha vuelto de Estados Unidos de estudiar y no sabe nada de la vida delictiva de su hermano. Ambos protagonistas terminarán encontrándose, y por el camino intentarán arreglar sus respectivos problemas personales y estallará el caos allá por donde pasen. Incluso fuera de la pantalla.
Los cinco primeros minutos no tienen desperdicio, montaje acelerado y frenético para introducirnos en la historia de forma brutal. El resto del film no vale para nada.
Aburrida hasta la saciedad, y de un mal gusto impresionante (la película está llena de escenas realmente asquerosas que no vienen a cuento), Miike demuestra, como siempre, que lo suyo no es el cine, pero él se lo pasa en grande. Una pena, si al menos hiciera partícipe al espectador de su divertimento, pero no.
La escena final es uno de los insultos más grandes que yo haya visto en una película. Desproporcionada e inútil. Y aun me quedan dos, buff.

El peor Visconti

"LA CAIDA DE LOS DIOSES"
Décimo largometraje en la carrera del famoso director, y uno de los más famosos, pero paradójicamente, uno de los peores, por lo menos para mí.
Juré que nunca mezclaría la política con el cine, más que nada porque en los blogs, como te inclines por cierto lado te llueven tortazos por todos los sitios, y se tiende a tachar equívocamente a una persona sólo por sus ideas políticas, aunque eso sucede en todos los campos.
Sería prácticamente imposible hablar de esta película si no se habla del nacionalismo o del nazismo, que son dos temas que el film trata abundantemente. Pero no lo voy a hacer.

Lo que sí diré es que cualquiera con ideas confusas puede armarse un cacao enorme, porque Visconti parece que termina ensalzando lo que en un principio quiere criticar y atacar ¿qué es? ved la película.
Está tan torpemente dirigida, y es tan banal y ridícula en algunos de sus momentos que uno se pregunta si es el mismo Visconti de EL GATOPARDO.
Los actores están casi todos fuera de lugar y realizan una interpretaciones lamentables, sólo Dirk Bogarde parce estar a la altura de las circunstancias.
Y encima es pedante, con un uso de los colores vivos como si quisiera decir algo, y un exceso de utilización de zoom, para ciertas escenas, verdaderamente ridículos y de colegial.
Verdaderamente inútil y manierista.

Mis frases favoritas en el cine (1)

"Si tuviera los mantos bordados del cielo, tejidos del oro y la plata de la luz.
Los mantos azules, oscuros y negros del cielo
De la noche, de la luz y la media luz
desplegaría los mantos bajo tus pies
pero siendo pobre no tengo más que mis sueños,
he desplegado mis sueños bajo tus pies
pisa suavemente... porque pisas mis sueños"

Anthony Hopkins en LA CARTA FINAL

Evidentemente el mérito es de William Butler Yeats, poeta irlandés, pero dicha por Anthony Hopkins en una secuencia de esta película a reivindicar, es como si se oyera por primera vez. También la pronuncia Anne Parillaud en FRANKIE Y LAS ESTRELLAS, pero has muchísima diferencia entre esas dos escenas.

Luis Buñuel y nuevo tema musical

"SIMON DEL DESIERTO"
Realizada en 1965, es un retorno a fórmulas estéticas de la época de LA EDAD DE ORO y como no, sus obsesiones con la religión y el sexo.

Recuperada de un proyecto conjunto que Buñuel tenía con Federico García Lorca, narra, incoherentemente como siempre, las vicisitudes de un predicador en el desierto, que por penitencia se dedica a predicar la palabra de Dios, curando enfermos haciendo milagros, etc, etc y de vez en cuando es visitado por el Diablo (magníficamente interpretado por Silvia Pinal) para ver si logra que Simón caiga en tentaciones de todo tipo.
Lo más divertido para mí, son los continuos ataques a la Iglesia, logrando momentos verdaderamente divertidos, pero como siempre el señor Buñuel se salta a la torera las leyes cinematográficas, y una vez más no me convence. Sí, ya sé que esa era su intención y fue lo que le hizo famoso.

CHRIS SPHEERIS Y PAUL VOUDOURIS: "LAGUNA"

Nuevo tema musical para la radio de este blog. El sintetista y guitarrista Chris Spheeris de vez en cuando se unió con el sintetista también, y amigo suyo de la infancia, Paul Voudouris para realizar algunos trabajos verdaderamente interesantes. El disco ENCHANTMENT fue récord de ventas en nuestro país. El tema que he escogido es del disco EUROPA y es una verdadera maravilla, con un protagonismo de la guitarra, senillamente maravillosa. Disfrutadlo.

Pregunta sin posible respuesta (7)

¿Por qué la gente con un interés superficial en el cine (el 80 % de la audiencia) miran a los cinéfilos como si fueran bichos raros, en todos los aspectos, y luego son los primeros a los que acuden para saber la opinión de cualquier película?

Daltom Trumbo director

"JOHNNY COGIO SU FUSIL"
Hacía ya muchos años que no veía la única película como director de este prestigioso guionista, que fue perseguido durante años, debido a la ya conocidísima "caza de brujas". Hombre, famosa es la anécdota, en la que Trumbo siguió escribiendo guiones con otro nombre, e incluso ganó un Oscar, fue por la película EL BRAVO, nadie salió a recoger el premio, evidentemente no podía hacerlo.

Esta película protagonizada por Timothy Bottoms, en el papel de un joven soldado de la Primera Guerra Mundial que debido a una explosión queda prácticamente deshecho, pero con vida, está basada en su propia novela de idéntico título.
La verdad es que Trumbo conoce perfectamente el medio, y lo usa prácticamente a la perfección, insertando en la narración flashbacks y recuerdos entremezclados haciéndolo en color, mientras que la realidad está plasmada en blanco y negro, algo relamente curioso cuando normalmente se hace al revés.
Los actores están todos magníficos desde el propio Bottoms, hasta Donald Sutherland, interpretando a un Mesías, pasando por Jason Robards, como padre del protagonista.
Quizás, defectos de ritmo, sobre todo en la parte de los recuerdos y los sueños, impiden que la película sea una obra maestra, pero de lo que no hay duda es de su enorme carga moral, que no deja indiferente a nadie, y su impresionante secuencia final con aquella famosa frase de: "S. O. S. ayúdenme, S. O. S. ayúdenme...", pone los pelos de punta y te deja casi sin respiración.

Película nada fantástica

"LOS 4 FANTÁSTICOS"
Ayer, en compañía de mi amigo Spifer, con quien hacía tiempo que no veía una película en el cine, decidimos asistir al estreno de este film, en los Yelmo de Los Rosales.
La esperada adaptación del famoso cómic de Los 4 Fantásticos, que formaron parte importante de mi infancia y adolescencia, ha sido un proyecto largamente retrasado en los despachos de Hollywood. Supongo que el primer inconveniente serían los efectos especiales, problema que han solventado excepcionalmente, pues esto es lo mejor del film.
También supongo que los actores a elegir fue un problema con el que tuvieron que lidiar durante años, y tras muchos candidatos, los elegidos no están mal en sus respectivos papeles, sobre todo Michael Chiklis haciendo de La Cosa. Además, creo que errores de casting hay muy pocos en la Historia del Cine.

Al mismo tiempo, muchos directores sonaron para dirigir la película, y sinceramente, este es el mayor error del film; cualquier otro director hubiera sido mejor que Tim Story (LA BARBERIA, TAXI, DERRAPE TOTAL), el cual no tiene ni idea de qué hacer, y lleva al completo desastre una película que tampoco partía con muchas posibilidades.
El guión es completamente ridículo, los personajes son arquetipos reducidos a la mínima expresión, la supuesta espectacularidad es contada, pues a veces da la sensación de encontrarnos ante un cutre telefilm con pretensiones de superproducción (eso es lo que vende el trailer); y terminamos por reirnos de los supuestos chistes de lo malos que son.
El director no sabe imprimirle ritmo, y el típico clímax que hay en este tipo de películas no existe.
Al final queda un sentimiento raro en nuestro cuerpo, una extraña especie de incredulidad ante lo que acaba de pasar por delante de nuestros ojos. Decepcionante.

Talitha MacKenzie: "Seinn O"

Como os dije, voy metiendo mis temas musicales favoritos, y el segundo es este excepcional SEINN O, que traducido del gaélico significa CANTA!.


A la extraordinaria voz de Talitha MacKenzie se une las programaciones, percusiones y coros de Chris Birkett verdaderamente sensacionales. Una fusión única a cargo de una mujer que no se prodigó tanto como los archifamosos Capercaillie, o el tristemente desaparecido Martyn Bennett.
Que os guste.

Grandes esperanzas

"CADENAS ROTAS"
Esta era una cuenta pendiente que tenía, David Lean adptando a Charles Dickens, sin lugar a dudas ni discusiones de ningún tipo , uno de los más grandes de la Literatura.
Comentar algo de la historia es algo que no voy a hacer, para no estropear un relato lleno de matices y personajes diversos en uno de esos dramas tan de moda en los años 40.


La dirección de Lean es enérgica por momentos, elegante en otros y emotiva cuando es necesario (toda su parte final). Con la ayuda de una dirección artística impresionante, nos sumergimos en una historia, que a pesar de algunas ingenuidades en sus protagonistas, nos mantiene atentos a la pantalla en todo momento por su enorme atractivo.
Atención a la interpretación de John Mills, cómo va transformando su personaje hasta la madurez total. Le acompaña el gran Alec Guinness en una de sus primeras interpretaciones para el cine. Y nos presentan a Jean Simmons en un papel de chiquilla insoportable.
Una delicia para los amantes del cine clásico. Y una demostración más de buena adaptación de un libro, y no el bodrio insufrible que dirigió Alfonso Cuarón.

Enlaces nuevos y Honky tonk man

Bueno, como veis he ido poniendo algunos enlaces a blogs diversos, que creo de un interés especial por distintas causas, ahí a la derechita los teneis. Algunos ya son veteranos como MOONFLEET con toda su actualidad sobre el cine o 7 SAMURAIS con sus quisquillosas críticas. Otros han ido añadiéndose como MALACIENCIA donde cualquier película no tiene la más mínima posibilidad ante el escudriñamiento de su lupa, RETROKLANG en el que habla no sólo de cine, también de comic o música, EL MAMBO TAXI, con el que siempre entro en polémicas. Y para el final, el binomio CONTRACORRIENTE y TAL VEZ SOÑAR, sendos viajes por el corazón humano y los sueños.
También he puesto la canción Honky tonk man de Clint Eastwood, cantada con el mítico Marty Robbins, para que la escucheis, una canción tristísima y esperanzadora sobre dos seres solitarios que se encuentran el uno en el otro. Supongo que iré poniendo algunos de mis temas musicales favoritos.

Sesión entre amigos (5)

Ya vuelto mi amigo Rubén de tierras escocesas e inglesas, hemos retomado estas reuniones cinéfilas, y tras mucho discutir qué película veriamos, al final la elegida fue:

"BELOW"
Una cinta dirigida por David Twohy (PITCH BLACK), con guión de él mismo ayudado por nada más y nada menos que Darren Aronofsky (REQUIEM POR UN SUEÑO), que también produce el film.


Nunca llegó a estrenarse en nuestro país, es de 2002, ni siquiera en dvd, y la verdad es que la historia es bastante atractiva: Un submarino americano de la Segunda Guerra Mundial recoge a tres supervivientes de un barco inglés, dos hombres y una mujer, papel interpretado por la interesante Olivia Williams. Dicho acontecimiento hará que en el submarino empiezen a suceder cosas inexplicables, susurros que no se sabe de donde proceden, apariciones fantasmales y muertes, muchas muertes.
A su favor hay que decir que Twohy ha creado un clima inquietante nada desdeñable, los momentos de susto están realmente conseguidos, y el hecho que toda la acción transcurra dentro del submarino, un ambiente cuanto menos claustrofóbico.
Por el contrario confusión en el guión, y personajes mal tratados, como el caso del teniente del submarino, papel a cargo de Bruce Greenwood, totalmente descolocado, como si no supiera en qué tipo de película está metido, lastran un poco un film interesante, y que nunca sabremos el porqué de su restraso en nuestro país, incomprensible, la verdad.

Un catalán en Hollywood

"LA CASA DE CERA"
Tomando como referente LOS CRÍMENES DEL MUSEO y LOS CRÍMENES DEL MUSEO DE CERA de Michael Curtiz y André de Toth, nos llega la última producción de la Dark Castle (nombre en honor a Willam Castle) creada por Joel Silver y Robert Zemeckis entre otros.
Bueno, lo de siempre en este tipo de películas de terror destinadas a un público joven.
Un grupo de amigos, a cada cual más imbécil, deciden ir a ver un partido importante de rugby; como son muy listos tomarán un atajo para llegar antes, dicho atajo les conducirá a un pueblo extraño donde hay un museo de cera...

Ni que decir tiene que los personajes son todos estúpidos; de hecho, a los 5 minutos estás deseando que mueran de la forma más horrible posible, deseo que se cumple.
Del guión mejor no hablar, ya que el espectador va siempre por delante, no hace falta ni hacer apuestas para ver quién es el siguiente en morir, lo adivinas enseguida. Y los diálogos son simplemente alucinantes, por ridículos.
Hay un par de cosas que merecen destacarse: una es lo explícitos que resultan los asesinatos, con una violencia verdaderamente sádica, y os lo aseguro, es de agradecer. Y la otra, lo mismo que caracterizaba a anteriores producciones de Dark Castle (la casa en 13 FANTASMAS), su dirección artística, el pueblo, y sobre todo el museo de cera, verdaderamente impresionante, con unos cinco minutos finales impresionantes.
Aún así, es una pena que Jaume Collet Serra, catalán director de videoclips afincado en Hollywood, haya tenido que estrenarse con semejante película. Lo bueno es que no piensa venir a España a dirigir, pues es fan de films como JUNGLA DE CRISTAL, tipo de película que no hay productor en nuestro país que se atreva a hacer.
Anita Loos, lo siento, pero lo único que puede decirse de las actrices aquí, es que están buenas y tampoco son de mi tipo precisamente.

Con dos palabras defino LOS SIETE SAMURAIS de Akira Kurosawa

Obra Maestra

Largo domingo de mediocridad

El pasado domingo fue uno de esos días en los que te tiras tan casando en el sofá, que no tienes ni ganas de levantarte a coger una película de dvd, y te tragas todo lo que la inefable televisión te eche. Eso me paso a mí.

"CONGO"


Dios mío, ya la había visto en el cine allá por 1995, y desde luego no recordaba lo mala que era. Dirigida por un alumno de Spielberg, Frank Marshall, cuyo buen hacer en ARACHNOPHOBIA y VIVEN no se repitió aquí.
Cutre y vulgar hasta la saciedad con un guión imposible, todavía me pregunto que hacía la excelente Laura Linney en dicho engendro, supongo que tendría que comer.
Es curioso, Marshall desde entonces no ha vuelto a dirigir, aunque sí ha producido con su esposa Kathleen Kennedy algún que otro exitazo (EL SEXTO SENTIDO).
Lo que vendría después no arreglaría la tarde del domingo.

"JAKE 2.0"
El episodio piloto de esta serie, en la que un informático es invadido por microrobots que lo convierten en un superhombre.
JE...
JE...


No quise reirme más.

Después de lograr levantarme para tomar unas cervezas en buena comapañía, volví a casa con la esperanza de que el dvd me aliviaría un poco la sesión cinéfila.

"FEDORA"
OOOOOOh, el gran Billy Wilder, estaba seguro de que ahora todo sería distinto.
Pues no.
Teniendo uno de los finales más maravillosos que haya visto, donde el guión del propio Wilder y su eterno colaborador I. A. L. Diamond, cobra sentido, la película es un eterno aburrimiento impropio del gran maestro.


William Holden interpreta a un productor, que en el entierro de una famosa actriz, Fedora (Marthe Keller), recuerda como la conoció y todo lo que ocurrió hasta llegar a tan fatídico hecho.
La dirección es plana y sin fuerza, como muchos de los elementos del film, aunque quizás haya que salvar la banda sonora del gran Miklos Rozsa.
Sale por ahí Michael York interpretándose a sí mismo, y demostrando que es tan malo como siempre.
Es una pena que haya que aguantar casi dos horas para llegar a una escena que queda grabada para siempre en la retina y el corazón del espectador, y que evidentemente no puedo comentar aquí.

Dalí por el filtro de Buñuel

"LA EDAD DE ORO"
Esta es una de las primeras películas sonoras que se realizó en Francia. Luís Buñuel pudo llevarla a cabo gracias a la ayuda de un amigo aristócrata que puso 25000 dólares para realizarla, en 1930.
En ella, con un guión de Dalí y el propio Buñuel, pueden "apreciarse" todas las inquietudes de ambas personalidades, su obsesión por escandalizar a través de infinitas referencias al sexo.
Dicen que en el momento de su estreno, fue boicoteada en los cines por gente de la extrema derecha que veía en sus imágenes ataques directos contra la Iglesia y demás instituciones. Bueno, es que los hay.
Hala, ya está.

La película es un bodrio inaguantable incoherente de principio a fin (algunos dirán que ahí está su grandeza) y hecha para gente que quiera comerse el coco hasta límites insospechados. Pero quién me mandaría ponerme a mi a ver esta película a las 4 de la mañana.
No la considero ni cine, y eso que Buñuel tiene grandes películas, pero ESTA NO LO ES.

Palomas heroicas

"VALIANT"
Esta es, sin duda, una de esas películas, que no tendrán nada que hacer al lado de MADAGASCAR o EL SUEÑO DE UNA NOCHE SAN JUAN, pero en lo que respecta a la taquilla. Probablemente se hundirá olvidada entre tanto estreno, y sólo en dvd tendrá un poco de cabida.
Sin embargo, hay que decir, que es bastante superior, en cuanto a calidad se refiere, a los dos títulos anteriores.

A pesar de un guión que no está a la altura de las circunstancias (algo que le pasa también a la divertidísima ROBOTS), el espectador se lo pasa como nunca, sin que llegue a aburrirse lo más mínimo.
De principio a fin, el director, Gary Chapman, rinde homenaje a todas aquellas grandiosas, y algunas no tanto, películas de los años 30 y 40 sobre la Segunda Guerra Mundial, en la que un grupo de héroes tendría que llevar a cabo un mensaje valiosísimo (cierta información sobre cierto desembarco famoso)a través de las líneas enemigas, en este caso, unos halcones que tratarán de zamparse a nuestros protagonistas.
Con ciertos toques de ARMAGEDDON, la magistral película de Michael Bay (este comentario va a causar alguna que otra rasgadura de vestiduras), el film tiene dos partes bien diferenciadas y ya vista en muchos films: el entrenamiento y la misión.
Sin ser ninguna maravilla, pero sin insultar al espectador, éste tendrá un buen entretenimiento, y con eso llega.

Chaplin dramático

"LA MUJER DE PARIS"
He aquí la primera película que Chaplin dirigió sin intervenir como actor en la misma. Fue un total desconcierto para crítica y público. De hecho, al principio del film hay un rótulo en el que advierte que en dicha película no sale interpretando ningún personaje.
Debió ser un auténtico shock para la época, porque a parte de no intervenir en ella, elimina todo elemento cómico de la misma. Ni el más mínimo gag ocurre a lo largo de los 77 minutos que dura la película.

Su argumento gira en torno a dos amantes que por circunstancias se separan, y años después vuelven a encontrarse, pero ella está con otro hombre. Hoy día esta historia se ha visto en infinidad de cintas, pero el tratamiento de Chaplin la hace única.
A pesar de que el ritmo no está conseguido en todo el film, Chaplin, apoyándose en la excepcional banda sonora, compuesta por él mismo, crea imágenes de un impacto visual pocas veces visto en este tipo de films. Es imposible no sentirse emocionados por el pincipio, antes de que los amantes se separen, o en toda la parte final, que sin ningún tipo de concesión al espectador, la hisoria concluy por caminos nada previsibles y de una tristeza pocas veces vista.
A destacar la interpretación de Adolphe Menjou, en el papel de millonario resignado por el hecho de que su mujer no se olvide de su gran amor; un tipo de papel en el que se especializaría en años venideros.
Por primera vez, el papel femenino, a cargo de Edna Purviance, cobraría un protagonismo por encima del masculino, algo inusual en la filmografía de Chaplin. En fín, que por películas como ésta, y por otras muchas de sobra conocidas, se le considera un genio.

La locura de los Marx

"PLUMAS DE CABALLO"
Una película con los desternillantes Hermanos Marx siempre tendrá algo bueno, por muy flojo que el film sea. Aunque este no es el caso, PLUMAS DE CABALLO no es ninguna maravilla.
De su primera etapa, cuando los hermanos eran cuatro, y dirigida por Norman McLeod, narra como Groucho se convierte en el rector de una Universidad y tendrá que apañárselas para conseguir buenos jugadores de rugby, al enfrentarse a otra Universidad y que su reputación no quede por los suelos.


Su primera mitad es verdaderamente antológica, con momentos impagables, como el inicial discurso o las continuas locuras de Harpo. Su segunda mitad, hay que reconocerle que baja un montón el ritmo, y el partido de rugby es una verdadera locura.
Como casi siempre los números musicales no faltan, aunque estén metidos a calzador, pero en ellos se pueden ver las enormes habilidades, tanto de Chico al piano, como de Harpo al harpa.

Pregunta sin posible respuesta (6)

¿Por qué la gente rechaza las adaptaciones al cine de libros, en beneficio de la obra literaria cuando el Cine y la Literatura son dos artes totalmente distintos con técnicas narrativas más distintas aún. Es que una imagen no vale más que mil palabras?
Y seamos sinceros de una vez, ejemplos como EL NOMBRE DE LA ROSA o PSICOSIS, por citar sólo dos, mejoran enormemente el libro.

Paralelo 49

"LOS INVASORES"
El famoso paralelo 49 que divide los Estados Unidos de Canadá, es el centro de la trama de esta originalísima película sobre la Segunda Guerra Mundial.
Con guión de Emeric Pressburger y dirección de su eterno amigo Michael Powell, nos narra como un submarino alemán es destruido en la costa de Canadá. Seis supervivientes tendrán que recorrer una distancia grandísima, y prácticamente a pie, para volver a su Alemania nazi.
Por primera vez, en este tipo de producciones, el protagonista es el malo, un nazi sin escrúpulos que se cruzará con todo tipo de personajes (los verdaderos héroes), por lo que el punto de vista del film es realmente curioso.
Realizada con un gran sentido de la aventura, y rodada en escenarios naturales tuvo el apoyo de muchos actores que acudieron de varias partes del mundo para rodarla, atraídos por el enorme atractivo de la historia, por cierto ganadora del Oscar al mejor guión en 1943, aunque el film es de 1941.

En su variopinto reparto nos encontramos, por citar sólo algunos ejemplos, al shakesperiano Laurence Olivier, interprentando a un francocanadiense sorprendido de lo inútiles que son los nazis (impresionante su acento); al blando Leslie Howard, un idealista amante del arte y en contra de la guerra que no dudará en usar la fuerza cuando sea necesario; o al gran Raymond Massey, un desertor que jugará un papel importante en el destino del protagonista.
Enormemente entretenida, la película se mueve entre escenas muy duras y otras que ridiculizan la ideología nazi de una forma sublime. Sería curioso saber que pensaría Hitler de este film.
Por otro lado, algunos problemillas con el montaje, hacen que el film no llegue a ser todo lo perfecto que debiera, lastrando un poco su ritmo; y esto es realmente curioso pues el montador era nada más y nada menos que David Lean.
Mención especial para Ralph Vaughn Williams y su banda sonora, de cuando se hacía música de verdad para el cine.
Por cierto, no comentaré nada de la traducción de su título original al español.

Dos señoras actrices

"SEÑORA BEBA"
Una coproducción hispano-argentina más que se estrena entre nosotros. Dirigida por Jorge Gaggero, tiene un tono decididamente "indie", de ahí su "éxito" en el prestigioso festival de Sundance.
Lo primero que habría que decir es que la película tendría que haberse titulado SRA. BEBA Y SRA. DODA, pues el punto fuerte de este drama existencial es su entero apoyo en las portentosas interpretaciones de dos actrices en verdadero estado de gracia, enormes como la vida misma. Norma Aleandro (Beba), por un lado, una mujer solitaria con enormes problemas económicos y que vive de las apariencias. Atención a la escena en la que come sola en un restaurante, una lección de interpretación a cualquier actriz que se precie de serlo. Por otro lado Norma Argentina (Dora), un poco más inexpresiva, ya que su personaje lo requiere, como la asistenta que lleva casi 30 años al servicio de Beba. Sus rostros marcados por el paso de los años reflejan miedo, vagancia y cobardía una, y paciencia, entereza y compasión la otra. Dos personajes condenados a entenderse en medio del castigo de la vida.

El enorme "pero" del film es la gran simplicidad de su guión, en el cual no existe la necesaria progresión dramática.
Por cierto, me estoy cansando de ver en todas estas producciones a Marcos Mundstock, componente del archifamoso grupo Les Luthiers.

El poder de la televisión

"UN ROSTRO ENTRE LA MULTITUD"
Dirigida en 1957 por Elia Kazan, para algunos un soplón, para mí un gran director. Su argumento es de terrible actualidad: un hombre de a pié, normal y corriente se convierte gracias a un programa de radio local primero, y después, sobre todo a una cadena nacional de televisión, en toda una celebridad llegando a ser la persona más influyente del país. En su trayectoria veremos como el poder es capaz de corromper al más noble de los hombres.

Dirigida con su habitual "realismo", Kazan impregna a sus imágenes una dureza, sobre todo en su segunda mitad, que hoy día sigue vigente.
El único problema lo encuentro en la interpretación de Andy Griffith, demasiado exagerada, ya desde el principio. Le acompaña Patricia Neal, una actriz que nunca me gustó. Y le secundan Walter Matthau en un papel alejado de todo lo que le hizo famoso, y una cachondísima Lee Remick.
Una buena película con una parte final impresionante.

Byron Haskin vs. Steven Spielberg

"LA GUERRA DE LOS MUNDOS"(1952)
Una de las películas de mi infancia. La ví cuando tenía 9 años en un viejo cine de Ourense que ya no existe (Cine Avenida).
Tomando como referencia la novela de H. G. Wells, narra una invasión de marcianos en nuestro planeta. Siempre me sentí atraido por este tipo de temas, cómo la Humanidad entera, a punto de ser exterminada tiene que unir fuerzas, más allá de las diferencias, para intentar vencer a los invasores, algo totalmente imposible.
Clayton Forrester, el protagonista siempre fue uno de mis héroes. Interpretado por el desconocido actor Gene Barry, que hoy día reconzco que era algo inexpresivo, daba vida a un científico que, por casualidad está cerca de un meteorito caído del espacio exterior. A partir de cuando uno de los meteoritos se abre y sale una nave espacial (de diseño inolvidable), todo es caos y destrucción.
No falta en esta película el mensaje claramente religioso. Memorable la escena en la que un cura camina hacia una de las naves, con la Biblia en la mano diciendo aquello de "mientras camine por el valle de la muerte no temeré mal alguno", probablemente la frase bíblica más usada en el cine.
También ese final, de un ambiente apocalíptico muy bien mostrado, y todo el mundo refugiándose en iglesias para rezar.
Los efectos especiales, complicados para la época, siguen guardando todo su encanto; y fué de las primeras películas que usaron el sonido como elemento aterrador.
Un clásico con todas las de la ley, a pesar de algunos elementos algo ingenuos. Nota: 8

"LA GUERRA DE LOS MUNDOS"(2005)
Estaba claro que Steven Spielberg era el director idóneo para hacer una nueva adaptación de la famosa novela, acorde con los tiempos.
Aquí, el tratamiento es totalmente distinto, de hecho las dos películas se parecen más bien poco, aunque la esencia sea la misma. Tom Cruise, en un nuevo papel alejado de su imagen habitual, interpreta a un padre separado de su mujer que pasa un fin de semana con sus dos hijos. Ese fin de semana es el escojido por los aliens para invadir nuestro planeta.
Ni que decir tiene que los efectos especiales son de una calidad asombrosa, sobre todo porque no inundan la película.
Con un ritmo frenético (Spielberg es de los pocos directores que saben el significado de la palabra "ritmo"), salvo en la ya famosa secuencia del sótano donde el director riza el rizo: esta secuencia tendría que ser para que el espectador se tome un respiro de tanta destrucción a la que está asistiendo, pero no; hete aquí que el espectador se queda prácticamente sin aliento pues ni se atreve a respirar en una secuencia de prodigiososo suspense; para luego volver a un desenlace, que para un servidor está entre lo más original jamás visto, evidentemente producto de la mente de Wells.
Con secuencias inolvidables, algunas de ellas terroríficas, es lo que el cine debe ser. Y una demostración más de que el señor Spielberg es uno de los más grandes directores de todos los tiempos.
Como punto negativo el sempiterno mensaje de que la fmailia unida jamás será vencida aunque... ¿qué haríamos si de repente tiene lugar una invasión extraterrestre?¿acaso no miraríamos por los nuestros? Nota: 9´5

Atrévete a soñar

"EL SUEÑO DE UNA NOCHE DE SAN JUAN"
Claro que me atreveré a soñar....
...con un día, que parece bastante lejano en el que por fín dygra haga una buena película sin más.
...con un día, que parece bastante lejano, en el que hagan unos personajes expresivos sin ojos planos.
...con un día, que parece bastante lejano, en el que hagan un guión coherente sin estupideces.
...con un día, que parece bastante lejano, en el que los personajes de una película no resulten todos insoportables.
...con un día, que parece bastante lejano, en el que Manolo Gómez no codiriga más, pues le interesa más la pela que hacer buen cine.
...con un día, que parece bastante lejano, en que no aburran más al personal.

Pero que no se preocupen los artífices de esta tontería, su más directa rival en la taquilla, MADAGASCAR, es el mismo tipo de película tonta.
Me sorprende también que un crítico como M. A. Fernández, al que yo creía alguien que sabe lo que dice, la ha puesto por las nubes. Menuda lamida de c... Nota: 4

El primer papel de Michael Caine

"ZULU"
Este gran actor tuvo su primera oportunidad para demostrar su valía en esta película de aventuras dirigida por Cy Enfeld.
Interpreta a un jefe del ejército inglés totalmente déspota pero enormemente valiente, o sea, un papel para lucirse, y desde luego lo hace.
El argumento es mínimo. Narra el enfrentamiento de 400 hombres del ejército inglés contra 10000 nativos de tribus africanas en la época de colonización del país.
Con escenas de extrema dureza para la época, el film es un divertimento de principio a fin por su sentido de la aventura.
Quizás algo más de enjundia en la historia no le hubiera venido mal, y salvando el personaje de Michael Caine, todos los demás son arquetipos de sobra conocidos.
Como curiosidad, hay que tener en cuenta la banda sonora de John Barry. Nota: 6

Segundas partes...

"BATTLE ROYALE2"
En este caso, nunca fueron buenas.
Continuación directa de la interesantísima primera entrega, donde aparecía el hermético Takeshi Kitano, en un típico papel suyo.
En esta segunda parte, ni está Takeshi Kitano, ni ya es interesante.
El argumento es prácticamente el mismo. Los ganadores del "juego" de la anterior película se han hecho fuertes en una isla y les han declarado la guerra a los adultos; entonces el gobierno decide enviar a los miembros de una escuela para que los combatan y los exterminen.
El resto de la película es pim, pam, pum, fuego y filosofía barata. Nota: 2