Sesión entre amigos (13)

"CONTRA LA PARED"
Después del gran sabor de boca con el que nos habiamos quedado el día anterior, estaba claro que la buena racha no podía continuar, y es que últimamente vemos una buena, una mala, una buena, una mala y de vez en cuando la buena no acude a la cita.
Elegimos esta cinta turco-alemana que consiguió varios premios, entre ellos el Goya a la mejor película extranjera, o europea, que no debe de ser lo mismo.
Dirigida por Fatih Akin, narra de un modo cuanto menos curioso, una relación entre un hombre y una mujer (y van...) que se casan sin estar enamorados (y van...) para que ella pueda escapar del seno materno y así poder hacer lo que le venga en gana; poco a poco irá surgiendo algo más que interés entre ambos.
La verdad es que el inicio es desconcertante, suceden las cosas porque sí, sin ninguna explicación y se ve todo un poco forzado. A medida que avanza la película alcanza sus máximos puntos de interés hacia su mitad, remontando el vuelo de una forma muy, pero que muy interesante. Cuando el espectador está disfrutando realmente de una historia bonita, sucede en el último tercio de la película, un cambio de dirección, en incluso de enfoque, que estropea todo provocando el aburrimiento más desesperante.
Otro punto a su favor en esta fallida película serían las interpretaciones de sus dos principales actores, Birol Ünel y Sibel Kekilli, dos seres marcados por sus derrotas, amores olvidados o perdidos, y estando siempre al borde del suicidio. Floja.

Sesión entre amigos (12)

"VIVIR PARA GOZAR"
Otra semana más disfrutando del cine clásico (hoy toca moderno), y la elegida ha sido esta maravillosa comedia dramática que Rubén no había visto y yo sí, pero que tenía un "pelín" olvidada.
Dirigida en 1938 por George Cukor, probablemente el mejor director de actrices que haya existido nunca, está protagonizada principalmente por Cary Grant y Katharine Hepburn.
Narra como un buen hombre luchador y soñador se va a casar con una millonaria acostumbrada a los grandes lujos. La presentación de este hombre a la familia provocará las esperadas reacciones de rechazo, y algo más cuando aparece en escena la hermana de su prometida.
Esa sería su linea argumental, una mera excusa para darnos una lección sobre no dejar escapar las oportunidades ni a las personas que queremos y que aportarán riqueza, de la verdadera, a nuestras vidas.
La química entre Grant y Hepburn es de las que traspasan la pantalla, que aprendan todas las parejitas actuales. Él sensacional, como siempre, una mezcla de dulzura y aventura pocas veces vista; y ella actuando con una naturalidad pasmosa da un verdadero recital sobre lo que debe de ser una buena actriz, una auténtica maestra, era única, y eso la hizo grande.
Pero es que además los secundarios están todos maravillosos, por citar algunos: Lew Ayres, encarnado al hermano de la Hepburn siempre borracho pues detesta a su familia de la que no puede escapar y que dice algunas de las frases más emotivas de la película. O Edward Everett Horton, que por una vez no hace de tipo tonto, encarnado a un amigo de Grant que le recuerda constantemente lo que debe de ser la vida y agarrar los sueños que uno desea.
Y todos ellos dirigidos por un maestro de ceremonias inmejorable, George Cukor, que con su elegancia y un ritmo impresionante nos hace pasar una hora y media absolutamente inolvidable. Sorprendidos comprobamos que la película sólo tuvo una nominación a los decorados, excelentes eso sí, al estar rodada íntegramente en interiores.
En la última escena Rubén sentenció: ¡Sí señor, eso es acabar una película! Y es que la emoción que nos inundó no la puedo describir. Pocas veces uno siente ganas de llorar de alegría. Hoy toca una turco-alemana que ha recibido muchos premios en "prestigiosos" festivales...qué miedo. Magistral.

¡¡¿¿Película de culto??!!

"AVALON"
Esta película producida en el 2001 entre japoneses y polacos tiene su importancia por ser la primera película en imagen real de Mamón Oshii, perdón, Mamoru Oshii, director de la inefable e inaguantable GHOST IN THE SHELL; un señor que no tiene ni idea de lo que es coherencia narrativa.
El argumento es harto original y harto tópico: en un futuro devastado por las guerras la gente tiene una vía de escape, un juego de realidad virtual llamado Avalon, en el que tanto puedes subir de nivel, lo que te hace subir de escala social en la vida real, o también puedes morir. Este juego tiene enganchados tanto a los participantes como a los espectadores. Evidentemente tras todo esto hay secretos...
Bebedora en algunos momentos de la estética Matrix, los buenos efectos especiales no son aprovechados ni lo más mínimo para la historia, existe una enorme incoherencia y descompensación entre las escenas espectaculares y las que no lo son tanto, provocando el total desconcierto en el espectador.
El ritmo es de los que no existen, ni lento, ni frenético ni nada de nada, carece de ritmo, por lo tanto carece de interés.
De los actores mejor no hablo porque tienen todos una cara de bobos que tiran para atrás, amén de una inexpresividad alarmante.
Una verdadera pérdida de tiempo. Bodrio.

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Su nombre es Jerome, está loco, dice que UN MUNDO PERFECTO es una mierda. Alguna vez hemos hablado. Me da la espina de que es un buen tipo. Tenemos un amigo en común. Ha perdido la virginidad con esto de los blogs. El suyo es sorprendente, y muy currado. Bienvenido, un enlacito te has ganado. Por cierto, su blog se llama POR FIN ES VIERNESSS!!!. Sugerente.

Razones por las que amo el Cine (1)

"DOS EN LA CARRETERA"
Una reciente y breve charla sobre este film me metió unas ganas irresistibles de volver a verlo, y así poder disfrutar de una de esas películas por las que me enamoré, literalmente, del séptimo arte. Y hablando de amor, esta es una de las pocas que demuestran que ese sentimiento existe.
Dirigida en 1967 por Stanley Donen y protagonizada en sus principales papeles por Albert Finney y Audrey Hepburn, se nos relata, a través de una narración no lineal (este es un film en el que el COMO aplasta sin contemplaciones al QUE, sin restarle importancia a este último) la historia de amor entre un hombre y una mujer, a través de los momentos más significativos de ambos.
Donen, con su habitual elegancia y sentido de la sensibilidad, fija el punto de vista desde un ángulo externo, dando la sensación de que es el espectador quien conduce el film. El hecho de narrar los acontecimientos desde la distancia da una enorme fuerza a la película, haciéndola enormemente cercana y nunca decatándose por ninguna de las dos partes. Los numerosísimos saltos en el tiempo no despistan para nada la atención de esta emotiva historia, al contrario, la hacen muy atractiva. Saltos en los que juega un papel importante el coche, que nunca tuvo un significado tan sugerente en una película. La forma en la que el automóvil se usa como metáfora de todas las etapas de una relación, es sorprendente por original.
Los actores están secillamente sensacionales, Finney en el que probablemente sea el mejor papel de su carrera, ese perfecto caballero, vividor y canalla. Y Hepburn, pues enamorando, como siempre, un pedazo de actriz como la copa de un pino, capaz de expresar con una mirada sentimientos tan dispares como alegría, decepción o deseo.
Todo el conjunto de la película se disfruta como pocas veces se hace viendo una película, y a ello contribuye la melodía, ya mítica, creada por Henry Mancini, uno de los más grandes compositores de bandas sonoras de todos los tiempos. Gracias a él y a la labor de Donen el espectador pasa de la risa al llanto y viceversa, de una forma asombrosa.
Ayer, durante el visionado del film, se me acusó de ser exactamente igual al personaje de Albert Finney; la verdad es que cualquier pareja, con un buen período de tiempo a sus espaldas pueden sentirse identificados con este crudo y maravilloso retrato sobre el amor entre un hombre y una mujer. Una prueba más de que el Cine es el fiel retrato de la realidad, aunque esta última supera con creces a la ficción. Obra Maestra.

Un relato corto de Ray Bradbury

"EL SONIDO DEL TRUENO"
Más de dos años hemos tenido que esperar para que se estrenara esta película dirigida por Peter Hyams que vivió tiempos mejores (ATMOSFERA 0), e interpretada por Edward Burns (le prefiero cuando se mete a director), Catherine McCormack (la novia de William Wallace forever) y Ben Kingsley.
Tomando como base un relato del famoso Ray Bradbury, la película nos muestra cómo en un futuro cercano una empresa se dedica a organizar safaris en la Prehistoria, realizando para ello, viajes en el tiempo. Una pequeñísima alteración en uno de esos viajes provocará que todo el futuro, el actual presente, sufra un cambio radical.
Las películas de viajes en el tiempo siempre han suscitado interés por eso de jugar con las paradojas temporales, y aquí el punto de partida es harto original; pero ahí se acaba todo.
Peter Hyams que como casi siempre en sus films también se encarga de la fotografía, dirige el evento con una total simpleza y sin personalidad. Los actores están todos sosos; en Burns ya es algo habitual en él; la McCormack se pasa de histriónica, y el Kingsley en el que pudiera ser el peor papel de su carrera, con un peluquín blanco que le queda peor que una corbata a un cerdo.
Los efectos especiales son malos; ésta es una película que hbiera necesitado el doble de presupuesto. Y los problemas que hubo en su postproducción hacen pensar que en la sala de montaje se quedó más material y seguro que más interesante. Una pena. Por cierto recomiendo a Alf que la examine detenidamente. Mala.

Mis frases favoritas de Cine (6)

Contra la risa no pueden.
Reirse en la cara de quien te quiere joder, aunque te joda, es una forma sublime de resistencia.





Karra Elejalde en EL DEDO EN LA LLAGA

Mis frases (o diálogos) favoritas de Cine (5)

-¿Me quieres hacer creer que no te acostaste con ella?
-Exacto
-¿Y se puede saber por qué?
-Porque estaba perdidamente enamorado de ella
...
-¿No podías haberte llevado ese secreto a la tumba?




Sean Connery (of course) y Gena Rowlands en JUGANDO CON EL CORAZON

El juego de Ripley

"EL AMIGO AMERICANO"
Adaptación de la famosa novela de Patricia Higshmith que Wim Wenders realizó en 1977, con su peculiar estilo.
Su argumento gira en torno a un hombre con una enfermedad terminal al que le es ofrecido una enorme cantidad de dinero por cometer un asesinato, evidentemente nada ocurre por casualidad, sino por un montón de causalidades que desembocarán en trágicas consecuencias.
Decir que el papel de Ripley corre aquí a cargo de un extraordinario Dennis Hopper, componiendo un personaje fascinante en todos los aspectos, un verdadero prodigio. El contrapunto lo pone Bruno Ganz, como enmarcador de cuadros de arte valiosísimos y que padece de una extraña enfermedad en la sangre que le hace cuestionarse su existencia y qué dejar en este mundo cuando se haya ido; también está francamente bien este actor, dotando al personaje de una humanidad casi patética.

Y en las interpretaciones está el punto fuerte de esta película, porque por lo demás no hay mucho que destacar. De hecho es un film que tarda bastante en arrancar, y cuando lo hace el espectador ya está lo suficientemente aburrido como para no mostrar demasiado interés en una historia que a pesar de tener una buena base, se pierde por culpa de las inquietudes del director, sin lugar a dudas uno de los más sobrevalorados del cine actual, firmante, eso sí, de una obra maestra como la copa de un pino llamada PARIS-TEXAS. Floja.

La fuerza de la fe en el amor y la familia

"MAS PODEROSO QUE LA VIDA"
Dirigida en 1956 por el gran Nicholas Ray, narra cómo un hombre padre de familia, por culpa de una enfermedad tendrá que someterse a un tratamiento de cortisona que le traerá problemas mentales y afectará en demasía a su vida personal.
Otro ejemplo de película que hoy día no pasaría de ser un telefilm barato.
Su enorme interés viene dado por la labor tras las cámaras de Ray, uno de los pocos directores capaces de contar algo con un simple plano o un travelling, la fuerza de este director a la hora de narrar siempre fue impresionante, hacía grande cualquier historia.

Luego está su protagonista principal, James Mason, un monstruo de la interpretación, absolutamente magnífico en el papel de profesor con delirios de grandeza, incluso por momentos llega a aterrorizar. Le acompaña un dócil Barabara Rush en el papel de su sufrida esposa; y un primerizo Walter Matthau, aun lejos de sus comedias, haciendo de mejor amigo del matrimonio, o sea el contrapunto sensato del film.
Con momentos de una fuerza inolvidable, sobre todo en su parte final, aquella en la que los estamentos de la familia y la iglesia se ponen en entredicho, aunque de esta última se ríe de una forma tan sutil que habría que darle un Oscar al guionista por saber mezclar tan bien todos los elementos. Aunque peca de un final muy precipitado. Buena.

Sesión entre amigos (11)

"ALTA TENSIÓN"
Esta semana ha tocado doblete de sesión cinéfila, y ayer se nos unió Fal, el hombre más tranquilo que conozco, es un placer ver películas con él, no comenta, no hace ruido, apenas se ríe si es una comedia, casi ni respira, un verdadero placer, en serio (un día hablaré de las moscas cojoneras que no te dejan ver cómodo una película en un cine, por ejemplo).
Y la elegida fue una de esas películas que se nos escapó en el momento de su estreno y hemos rescatado en dvd.
Dirigida por Alexandre Aja, es un film francés de terror que ganó los premios en Sitges al mejor director y a la mejor actriz.

Narra como una familia se verá acosada por un asesino despiadado que mata a disestro y a siniestro a todo el que se cruce por delante, de la forma más bestia posible.
Hay que decir que la película roza lo gore, siendo muy descriptivos los crímenes, pero sin llegar a asquear; bueno, depende de la sensibilidad del espectador.
A su favor diré que tiene un clima si no conseguido, sí pone bastante incomodo al espectador aunque abuse de los efectos de sonido, que por cierto son magníficos. Y también la actriz protagonista, Cécile De France, de una belleza increíble y no sólo eso.
Como punto negativo diré que es la tomadura de pelo más grande que haya visto en años, por culpa de su giro final. Maldita manía de querer cambiar todo el sentido de una película en sus minutos finales, eso sólo lo saben hacer los genios. Os aseguro que la cara de gilipollas que le queda a uno cuando la película termina es de fotografía. Y así pasó, como tres completos gilipollas nos quedamos mirando para la pantalla atónitos de una resolución totalmente ilógica y estúpida. Luego vino el enfado. Mala.

Sesión entre amigos (10)

"LA PICARA PURITANA"
Una semana más Rubén y yo nos reunimos para disfrutar del Cine en la medida de lo posible (y hoy habrá segunda parte). Esta vez, él porque no la había visto, y yo, prácticamente porque no la recordaba, la elección fué esta clásica comedia del gran Leo McCarey dirigida en 1937.
Este film es el perfecto ejemplo de película que hoy en día no se podría hacer, o más bien, no se sabría hacer, el simple hecho de transportarla a los actuales tiempos le daría otro sentido completamente distinto y es más que probable que fuera un film olvidable, aunque tampoco es que sea una maravilla.
También sirve de perfecto ejemplo de película a la que el paso del tiempo (el gran enemigo del Cine después del espectador idiota) le ha hecho un daño enorme. Es una pena que no resista el paso de las décadas al contrario que a otros films de aquellos años que permanecen intactos.


La premisa argumental ha sido mil veces copiada en mil comedias posteriores, sobre todo actuales: una pareja que parece odiarse, no pueden, en el fondo, vivir el uno sin el otro. ¿Cuántas veces hemos visto este argumento? Pues esta sea probablemente la primera película que explota dicha premisa.
Está protagonizada en sus principales papeles, por un sensacional Cary Grant (cómo no), una estupenda Irenne Dunne, de esas actrices capaces de cambiar de registro en una misma película con una facilidad asombrosa, vamos de esas actrices que hoy en día no hay; y en un papel secundario, Ralph Bellamy, que está verdaderamente simpático en su papel de ricachón de Oklahoma. Bueno, también sale un perro muy gracioso que tendría que haber estado nominado.
Hablando de nominaciones la película ganó el Oscar al mejor director aquel año, algo incomprensible porque McCarey ha estado más acertado en otras ocasiones (TU Y YO es una historia de amor definitiva). Aquí se revela un poco torpe, fracasando en el ritmo interno del film y salvando como puede algunas situaciones forzadas del film. Un film que termina cansando un poco a pesar de sus 87 minutos de duración. Pero bueno, considerando que es del 37, que han pasado casi 70 años yo me pregunto ¿cuántas buenas películas de hoy en día se conservarán así de frescas, a pesar de sus defectos, dentro de 70 años?. Correcta.

Una mujer, un niño y una ciudad

"GLORIA"
En 1980, el tristemente desaparecido John Cassavettes dirigió a su mujer, la gran Gena Rowlands en esta especie de thriller urbano con mezcla de drama, aunque ¿qué thriller no tiene siempre unas pizcas de drama?
La historia narra cómo una mujer tendrá que proteger, muy a su disgusto, a un niño cuya familia ha sido asesinada por la Mafia, que perseguirán a la mujer y al crío a toda costa y a cualquier precio.
La película tiene tres protagonistas bien distintos entre sí, y bien diferenciados gracias a la sutil labor de Cassavettes definiéndolos de forma magistral.
Por un lado está el personaje que da título al film: Gloria, encarnado de forma excelente por una Gena Rowlands que dota a su rol de una dureza impresionante, es una mujer, y perdonad la expresión, "con cojones", y con unas pizcas de ternura metidas en los momentos menos esperados. Su interpretación le valdría una merecida nominación al Oscar en aquel año.


Por otro lado está el niño, con más protagonismo del que cabría esperar, interpretado por un desconocido John Adames, en un papel atípico para la época con unas reacciones en su personaje realmente extrañas, pero sorprende sobre todo por su capacidad de comunicar al espectador su estado de ánimo con unas expresiones de rostro increíbles.
Y por último está la ciudad de Nueva York, tantas veces retratada en el Cine. Cassavettes conduce la historia por todas sus calles, recovecos, sitios lujosos, otros que no lo son tanto y consigue que esta gran ciudad sea una compañera más en el trágico viaje de los dos protagonistas. Sus panorámicas aéreas no tienen desperdicio.
Lamentablemente el film es demasiado largo, y su media hora final pesa sobremanera sobre el ritmo. Aunque lo mejor es la sensación de nostalgia que a uno le invade mientras ve la película, algo a lo que contribuye la extraordinaria banda sonora de Bill Conti. Correcta.

Nuevo enlace

No podía dejar sola a Brianda ahí a la derecha, asique después de visitar muchas veces PAJAROS EN LA CABEZA, he escogido este blog como nuevo enlace en Canciones para tocar el alma.
A pesar de que se hace de rogar la tía, y no publica con la asiduidad que algunos quisieran, el blog es bastante divertido y tiene una idea genial: nos regala sonrisas. Sonreir es algo que debiéramos hacer más a menudo.
Visitadlo, no os decepcionará, ella se llama "anonimamente" Mónica.

Papaíto Rodríguez le concede su caprichito a hijito Rodríguez

"LAS AVENTURAS DE SHARKBOY Y LAVAGIRL"
¡Pero que enorme padrazo debe de ser Robert Rodríguez para hacerle una película basada en una idea de su crío!Total, qué mas da, las hace en el garaje de su casa como churros.
Porque este señor a modo de juan palomo, yo me lo guiso, yo me lo como, dirige, produce guioniza, musica, edita, fotografía y Dios sabe cuantas cosas más, sus películas.
Aunque en este caso llamarle película a esto quizá sea exagerar. Y además aquí está metida el resto de su familia realizando otros menesteres.
Lo único que no voy a reprocharle es su enorme fantasía, y me refiero a la idea del film, crear todos esos mundos, o soñarlos, es ciertamente loable; ahora traspasarlos a una película, eso ya es otro cantar.

Los personajes son absolutamente insoportables, dan ganas de matarlos a todos, es como si Rodriguez hubiera hecho un casting de a ver quién era el peor actor infantil, y lo ha escogido para este film.
El guión es de risa, o de vergüenza ajena, según cómo se mire.
Y lo de las 3-D, pos vale, que me mareo mucho, tío.
La pregunta es ¿por qué ha hecho el director esta basura de película, en la que los niños no sé yo si se lo pasarán muy bien? ¡qué más da! ¿a quién le importa?...
No importa que hayamos visto una desastrosa película, Robert Rodríguez es un buen padre (joer, pobre chaval). Muy Mala.

¿Qué grande es el Cine?

"NINETTE"
Siempre he sentido simpatía por José Luís Garci. Dejando a un lado su pasión por el boxeo, siempre he envidiado su enorme sabiduría respecto al séptimo arte; sus primeras películas no son nada desdeñables (soy de los que considera VOLVER A EMPEZAR una obra maestra) y su programa de televisión, ya tan asiduo como el telediario, aunque supongo que ahora se están tomando un descanso, me ha parecido de los mejores programas que la televisión ha podido emitir, aun que sus contertulios a veces (muchas) se pierden con pedanterías que la mayoría de la gente no entiende. Lo que yo siempre he entendido es que el programa es para entendidos o apasadionados del cine, y no para gente con mentalidad de CRONICAS MARCIANAS. Pero ese es otro tema.
Últimamente, y aquí ya hablo de su cine, este señor parece anclado en los viejos tiempos, esos que ya no volverán.


Su enorme pasión por el cine clásico americano es de sobra conocida por la humanidad entera, pero aún así se empeña en recordárnoslo en cada película que hace. Como no, la película está llena de referencias a muchas películas famosas.
Esta vez le ha dado por adaptar dos obras de Miguel Mihura, por cierto, no se pierdan la especie de chiste que hace sobre la figura de Mihura al empezar el film que supongo, no será del agrado de todos. Y lo ha hecho de una forma acartonada, vieja y vetusta pasada completamente de moda. Y aquí hay un gran problema, porque otros directores son capaces de rodar cine al estilo clásico, pero Garci no, y claro, el resultado es poco menos que chirriante.
El reparto está lleno de sus amiguetes de siempre, Carlos Hipólito sigue teniendo la misma cara de bobo a la que nos ha acostumbrado. Y Elsa Pataky está bien...y además está bien. Que curioso, no es tan horrenda su interpretación como cabría esperar.


Es una película en la que no pasa prácticamente nada y termina por aburrir un poco entre otras cosas porque los personajes no paran de hablar. Otro defecto es sus enormes fallos de guión en cuanto a reacciones de esos personajes parlanchines que no son explicadas, y nos la meten en la historia porque sí.
Lo mejor sin duda, aparte de la música de Pablo Cervantes, de la cual no se abusa, son los secundarios todos ellos perfectamente comedidos y entrando y saliendo de la historia coherentemente, aunque el de Mar Regueras es un poco insulso. Floja.

Felicidades, Jeremy Fox

Junio de 1992
En algún lugar del nordeste de Galicia.

-"¿Teneis la sipnosis de EL CLAN DE LOS IRLANDESES?"-me preguntó. Yo, por aquel entonces trabajaba en un viejo gran cine ya desaparecido de nuestra ciudad, un maravilloso trabajo que nunca olvidaré.
La conversación continuó por derroteros cinéfilos (aún faltaba un rato para que comenzara la sesión), y ese fue el único tema que tratabamos en los días venideros cuando él se acercaba, con su novia de entonces (buff...) al cine a ver el último estreno de turno...
El tiempo nos trajo más películas, más mujeres...y otros asuntos también, que marcaron nuestras vidas, mientras nuestros lazos iban estrechándose hasta límites sin límites...
Hoy alzo mi copa, por ti amigo, porque supiste ganarte a pulso mi amistad inquebrantable (...nada sufrirás que no sufra...), a trevés de caminos que sólo esa amistad conoce...
Hoy alzo mi copa, por ti amigo, para realizar un brindis que no pienso hacer público...

...y recordando que, pase lo que pase, EL HOMBRE QUE MATÓ A LINERTY VALANCE es, y será siempre una Obra Maestra.

Mis frases favoritas de Cine (4)

"Los viejos sueños fueron buenos sueños, no se realizaron pero me alegro de haberlos tenido"



"Este tipo de certezas sólo se presentan una vez en la vida"



Clint Eastwood en LOS PUENTES DE MADISON. Y en relación a cierta pregunta sobre las segundas oportunidades que circula por un reciente blog. Buscad, buscad.

Brad Pitt vs. Angelina Jolie

"SR. Y SRA. SMITH"
Esta madrugada he tenido la oportunidad de asistir a los Filmax A Coruña a un pase privado, de esos en los que se comprueban la calidad de las copias de las películas, de este engendro protagonizado por Brad Pitt, a quién yo creía más inteligente, y por Angelina Jolie, que creo tiene un Oscar de más.


Dejemos a un lado que esta ha sido la película en la que estos dos sex-symbols se han "conocido" mejor, han dejado a sus respectivas parejas, y han decidido liarse sabe Dios por cuánto tiempo. Esto sin lugar a dudas, le añade morbo al film, ese tipo de morbo típico español que tiene que ver con el marujeo y derivados varios.
Digo que Pitt me parecía un tipo inteligente, porque hay que ser burro para dejar a Jennifer Aniston y liarse con la cosa esa que se cree actriz. Sí, gustos que tiene uno, la Aniston no es que me vuelva loco pero la prefiero mil veces, tanto como actriz y como mujer, que a esa otra. Por otro lado, siempre he creído que Pitt era inteligente porque se metía en películas ciertamente interesantes sin importarle demasiado su imagen de niño guapo (algo que está aprendiendo ahora Tom Cruise). Aquí ha metido la pata hasta el fondo.
Estos dos "cachondos" no tienen ni la más mínima química entre ellos a lo largo del film. Está, simplemente correctitos en sus respectivos papeles, pero no alcanzan un grado de complicidad alto como otras grandes parejas en la Historia del Cine, y no voy a dar ejemplos, que imagino ya los conoceis. Ese es su principal fallo, ya que la película presume de que esa complicidad existe, y no es así.


Otra de las grandes sorpresas negativas de esta chorrada de película es su director, Doug Liman, que desde luego nos ha engañado con EL CASO BOURNE. Aquí los buenos modos de aquel film no asoman ni por recomendación, el tío es torpe, sin ritmo y más mareante que Michael Bay en las escenas de acción, escenas, por otro lado aburridísimas.
Y ese es otro de sus numerosos fallos, la película es aburrida hasta la saciedad, sobre todo su primera media hora que se hace eterna, luego como empiezan los tiros y las persecuciones, te distraes un poco, pero sólo un poco, eh.
Sólo salvo algún que otro chiste bien metido, Vince Vaughn que está enormemente desaprovechado, y una pelea a puñetazo limipio entre Pitt y la Jolie, donde el primero le pega unas patadas en el estómago a la segunda que no tienen desperdicio. Mala.

Sesión entre amigos (9)

"LA MEMORIA DEL ASESINO"
El sillón era demasiado cómodo, el calor invitaba a quedarse dormido, eran las 3 de la mañana y las palomitas estaban buenísimas. Una vez más Rubén y yo continuamos con el ritual de lo habitual.
Ayer tocó esá película belga que ha sido un tremendo éxito de taquilla en su país de origen, desbancando a superproducciones norteamericanas, ya sabeis los títulos...
La premisa es ciertamente original, un asesino a sueldo recibe un encargo que, en el último momento decide no realizar, a partir de ahí será perseguido tanto por la policía como por los que le encargaron el asunto, y así no dejar pistas. Hasta aquí todo como muy manido, me direis algunos, bueno se me olvidaba decir que el asesino en cuestión padece la enferemdad de alzheimer!!!, ya no es tan manido ¿no?; ese pequeño detalle le da a la película ciertos toques de originalidad.
Y digo ciertos toques, porque en determinados momentos no puede evitar caer en convencionalismos mil veces vistos en muchos thrillers.

El director del evento, Erik Van Looy, conduce el film con mano convincente, haciendo muy entretenidas sus casi dos horas de duración. La acción está muy bien dosificada y en todo momento te interesa lo que ocurre.
Habría que reprocharle, a parte de esos convencionalismos que he dicho, el hecho de que las interpretaciones son casi todas un poco sosas, con actores que no están a la altura de las circunstancias.
Eso sí, seguro que los americanos no tardan en realizar un remake. Ya me imagino a los actores. De hecho os los podeis imaginar mientras la veis. Seguro que coincidimos en las elecciones. Correcta.

En busca del blog perdido, breve blog, lo que el blog se llevó...

No sé qué es lo que ha ocurrido, tampoco creo que debamos saberlo todos, pero un blog ha desaparecido. Se trata de ...TAL VEZ SOÑAR.
Ni un adiós, ni un hasta luego o hasta siempre...
A algunos nos gustaba leerte. Cuidate mucho lidia, estés donde estés.

La alegría de Kusturica

"LA VIDA ES UN MILAGRO"
A Emir Kusturica siempre le ha gustado impregnar sus películas de una radiante alegría, a veces contagiosa, a veces no. Creo sinceramente que esa alegría le viene del hecho de ser músico, por cierto un excelente músico, y creo que mucho mejor que cineasta. Nos tiene regalado momentos inolvidables y maravillosos acompañado de su buen amigo Goran Bregovic, otro extraordinario músico, interpretando música balcánica, por cierto una música que enamora, por lo menos a mí.

El problema es que, en esta película al señor Kusturica, le gustan demasiado sus personajes, y dicho sea de paso, son todos encantadores y muy humanos, algo que el cine no acostumbra a retratar, y cuando lo hacen, se pasan de realistas.
Debido a ese enamoramiento de los personajes, la película está alargada en demasía y termina provocando el hastío hasta límites insospechados, a parte de que la resolución de la historia es más que previsible, una previsibilidad atacable precisamente por la excesiva duración del film.
Otro problema es que carga demasiado las tintas con las situaciones, las subraya demasiado, como si pensara que el espectador no fuera a darse cuenta de lo que sucede y de qué es lo que quiere decir el autor. A mí me satura en exceso.
Una pena, porque con un título tan bonito y esos personajes, se podría haber hecho un film grande. Floja.

Tim Burton en su salsa

"CHARLIE Y LA FABRICA DE CHOCOLATE"
Burton siempre expresó su gusto sobre la anterior versión de la novela de Roal Dhal, por cierto un libro considerado de culto en los Estados Unidos, de ahí, el enorme éxito en taquilla de esta película. Consideraba aquel film, con Gene Wilder de protagonista, como poco fiel a la famosa obra. La verdad es que comparando ambas películas, la diferencia no es tanta, sólo varía su parte final. Aunque yo solo me centraré en la versión de Burton, la antigua, de 1970, no la recuerdo bien, sólo que de pequeño me había impresionado.

Tenía mucho miedo antes de ver este film, pues Burton es capaz de hacer grandes películas, como EDUARDO MANOSTIJERAS o BIG FISH, o enormes basuras, como MARS ATTACKS o EL PLANETA DE LOS SIMIOS, asi que las expectativas hacia este film eran un poco temerosas.
Pero hete aquí que el señor Burton nos sorprende y nos cuenta un cuento, en el sentido literal de la expresión, con las herramientas del cine evidentemente y lo hace de maravilla, en casi todos los aspectos.
Y digo "casi" porque la historia peca un pelín de previsible, pero sinceramente a mí me da igual, BURTON ME ESTA CONTANDO UN CUENTO, COMO CUANDO ERA PEQUEÑO, Y ME HACE REIR Y EMOCIONARME COMO UN NIÑO.
La historia tiene todas las constantes del cine de Burton, personajes raros, como los cuatro insoportables y sus respectivos padres, que acompañan a Charlie en su viaje por un mundo de ensueño; y personajes todavía más raros como el propio Willy Wonka, sin lugar a dudas, personaje del que el director está enamorado, un personaje muy parecido a Eduardo Manostijeras o al Pingüino en BATMAN VUELVE, un personaje solitario falto de amor. Lo interpreta el, probablemente, mejor actor joven, de la actualidad, aunque yo me atrevería a decir, uno de los cinco mejores actores vivos, Johnny Depp, en una interpretación increíble y de Oscar, digan lo que digan.

Luego está esa fábrica, que el diseñador artístico ha logrado plasmar de forma magistral, con unos decorados impresionantes, si no ganan el Oscar me enfadaré mucho.
Y encima se permite el lujo de meter números musicales, que no parecen números musicales, eso sí, todos desternillantes, protagonizados por unos pequeños seres amigos de Wonka, cruciales en la historia.
Y luego está el mensaje, aquí hay un QUÉ muy claro, se podría decir que es una apología de la familia, y me da igual quién la quiera atacar por ello. Tim Burton me ha hecho retroceder a mi infancia, me ha hecho soñar, me ha hecho querer comer más chocolate y me ha hecho disfrutar de una gran película. Creo que muchos la rechazarán, se han olvidado de la inocencia, yo creo que debería haber más cine como éste. Magistral.

Cuando el Cómic se funde con el Cine

"SIN CITY"
Dicen que Frank Miller, cansado de sus continuas decepciones por sus pinitos en el mundo del Cine, no quería que nadie adaptara una de sus obras, hasta que Robert Rodríguez, fan suyo, le convenció mostrándole un corto que había realizado inspirándose en unos de sus cómics.

Creo que Miller es uno de los mayores genios del noveno arte; DAREDEVIL no vivió una época mejor que aquella en la que Miller lo guionizó y dibujó, acompañado en la tinta por el mítico Klaus Janson. Obras maestras como ELEKTRA ASSASSIN o RONIN hablan por sí mismas, y cómo no, DARK KNIGHT, una de las más grandes obras que se hayan hecho trascendiendo, incluso, los límites del arte. Nunca he considerado SIN CITY de lo mejor de este maravilloso autor, y es una pena que él se haya enamorado tanto de esta serie, por eso de verlo metido en otros menesteres.
Así pues, Miller junto con Robert Rodríguez han codirigido esta adaptación basada en tres historias del primero.
Decir que el film tiene el manido esquema de historias entrelazadas con al menos un punto de unión entre ellas, y en este caso, os aseguro que sólo hay uno.
El reparto del film es impresionante, lleno de estrellas que se nota lo pasaron en grande haciendo la película; están todos muy bien, pero yo destacaría a Mickey Rourke y a Bruce Willis, en dos personajes inolvidables.

La película, quizás demasiado larga y con un uso abusivo de la voz en off, es una adaptación tan, tan fiel y tan, tan perfecta del cómic, que eso juega a su favor y al mismo tiempo en su contra. Por un lado es impresionante lo que vemos en pantalla, un puro espectáculo, no sólo visual, y rodado con una técnica que le permite al film ser más violento (tiene escenas muy duras) que de costumbre. Pero por otro lado parece que estuvieramos leyendo un cómic, en el sentido literal de la expresión, con cambio de viñeta incluído, y da la sensación de que se olvidan de que el Cine tienen su propio lenguaje (aunque ambas artes se parecen bastante), lo que dota al film de un aire gélido poco adecuado. Creo que se han pasado adptándola tan literalmente que incluso, y aquí más que nunca, el espectador desconocedor del cómic, se perderá muchas cosas, aunque pueda disfrutar del film.
De su argumento no contaré nada, pero me gusta la idea de ¿por qué hacemos las cosas? ¿por qué vivimos y sufrimos? POR AMOR. Buena.

Película para memos (3)

"EXTRAÑAS COINCIDENCIAS"



Dirigida (es un decir) por David O. Rusell. Sin comentarios

Batalla real

"LA VIDA PRIVADA DE ELISABETH Y ESSEX"
Después del mal sabor de boca que me había dejado LOS CRÍMENES DEL MUSEO, tenía que volver sobre Curtiz y comprobar que, efectivamente es uno de los grandes. Me arriesgué con esta producción de 1939, que era una cuenta pendiente en mis visionados.
Con un reparto extraordinario encabezado en sus principales papeles por Errol Flynn y Bette Davis, narra un apasionada historia de amor entre la reina Isabel de Inglaterra y Essex, jefe de sus tropas, en el marco de una enorme guerra.
Aunque la verdadera guerra se produce cerca del trono, entre dos amantes que ni pueden dejar de verse ni dejar de odiarse. Un te amo-te odio absolutamente impresionante gracias a las extraordinarias interpretaciones de Bette Davis, los ojos más bellos de la historia del Cine y un pedazo de actriz como la copa de un pino, que por cierto, aquí tuvo que maquillarse enormemente para aparentar la edad de una mujer madura; y por otro lado Errol Flynn, el eterno galán, aquí en un papel un poco alejado de lo que solía hacer, pero bastante sorprendente.

La dirección del film es absolutamente ejemplar, rodada en estudio en su totalidad, y con unos fastuosos decorados, Curtiz mueve la cámara a su antojo, haciendo gala de un impresionante dominio en interiores y realizando esos juegos de luces y sombras que tanto le gustaban.
Circulan por la película un sinfín de secundarios a cada cual más conocido: Vincent Price en uno de sus primeros papeles, Alan Hale enfrentado por primera vez a Flynn, Olivia De Havilland recién salida de LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ, en un pequeño pero muy significativo papel, Donald Crisp como la mano derecha de Flynn, etc.
Decir que la escena final, aparte de atípica, tiene una fuerza increíble, por cómo se rodaba entonces, algo que hoy en día nadie sería capaz de hacer. NADIE. Magnífica.

Nuevo enlace

Ahí a la derechita teneis un enlace de un nuevo blog de cine que encontré pululando por la red. Se titula EL SEPTIMO CIELO y es una pequeña maravilla que se dedica a criticar (para bien o para mal) películas haciendo un análisis bastante largo, pero ¡ojo!, nunca pesado, y eso es díficil. Asi que, bienvenido Robgordon, al mundo de los blogs.
Echadle un vistazo, no os decepcionará.

Janis Joplin, David Arkenstone, Spencer Brewer y Patrick Doyle

¿Y qué tienen en común, a parte del evidente hecho de que son músicos? Pues nada. 4 temas más para la radio de este blog.
De Janis Joplin el ya mítico PIECE OF MY HEART, sobre el que no hace falta decir nada a estas alturas.

De David Arkenstone, el famoso sintetista, LONG WAY FROM HOME, un delicioso tema instrumental acompañado del grandioso Kostia al piano.

Del menos conocido, pero también sintetista Spencer Brewer, MY SWEET ELIJAH, otra maravilla, y también acompañado por el prolífico Kostia.

Y de último Patrick Doyle, en una de sus muchas colaboraciones con el gran Kenneth Branagh, el tema titulado THE PICNIC para la banda sonora de esa obra maestra titulada MUCHO RUIDO Y POCAS NUECES. La voz pertenece a la en tiempos maravillosa, y hoy insoportable actriz Emma Thompson.

Espero que los disfruteis.

El misterio del museo de cera

"LOS CRIMENES DEL MUSEO"
Esta es la película original en la que luego se basó la versión de André de Toth, prácticamente idéntica, y que fué mucho más famosa.
Rodada en 1933 por el maestro Michael Curtiz, e interpretada, en sus principales papeles por Lionel Atwill y Fay Wray. A pesar de esta presentación la película es más bien muy poca cosa.

El argumento es de sobra conocido por todos. Un extraordinario escultor de figuras de cera, que casi está en la pobreza sufre un repentino incendio en su museo destruyéndolo todo. Tiempo después extraños asesinatos comienzan a sucederse.
Decir a su favor que es una de las primeras producciones realizadas en color, y que hace curiosos juegos con la luz, algo a lo que Curtiz le gustaba jugar, sobre todo en los años 30.
Por lo demás, nada destacable, ni siquiera las interpretaciones, con un Atwill un poco pasado de rosca, y una Fay Wray casi insoportable.
A la hora de la narración, Curtiz no se muestra nada claro y la película es tremendamente incoherente, lo que la hace aburrida.
Tampoco tiene clima, y lo de los crímenes es casi un decir. Una enorme decepción, viniendo de un maestro. Mala.

El buen hacer sobre los medios

"DEAD END"
He aquí una de esas películas que se ruedan con poquísimo dinero, pero con muchas ganas de hacer algo interesante, amén de conseguir una distribución en salas de todo el mundo más que decente. Que aprendan por estos lares.
Dirigida y escrita por Jean-Baptiste Andrea y Fabrice Canepa, narra como una familia se pierde en una carretera secundaria durante una Nochebuena; en su recorrido se irán topando con situaciones cada vez más extrañas.

Lo primero que llama la atención es sus escasos medios para filmarla, pero todos ellos aprovechados de una forma inteligente. Los planos aéreos son impresionantes por terroríficos.
Los actores están todos bastante bien (sobre todo Ray Wise), algo bastante inesperado en este tipo de producciones.
Los directores han sabido dotar a la película de un atmósfera escalofriante, logrando algún momento verdaderamente inquietante.
El gran problema de la película es su historia, predecible de principio a fin, de hecho parece uno de esos episodios, vistos mil veces de TWILIGHT ZONE. Este hecho lastra bastante la película, aunque se sigue con interés y crea espectación sobre el siguiente trabajo de ambos guionistas y directores. Pasable.

Michael Bay sin Jerry Bruckheimer

"LA ISLA"
Una película que se esperaba con cierto interés. Aparte de suponer el retorno de Michael Bay, muy ocupado ahora en su faceta de productor, esta es la primera película que realiza sin el apadrinamiento del todopoderoso Jerry Bruckheimer, que aquí es cambiado por el todavía más todopoderoso Steven Spielberg, que no sale acreditado, pero fue quien le encargó a Bay el proyecto. Aparte de eso está el tema de la clonación, de sumo interés y siempre de actualidad.


Viendo el trailer uno podía pensar que estábamos ante el retorno por la puerta grande de Bay, su regreso al buen cine de acción, después de las tonterías de PEARL HARBOUR y DOS POLICIAS REBELDES II. Pues no, hete aquí que el resultado es todavía peor que las dos películas mencionadas, y por muchos y diversos motivos.
La película narra como en un futuro próximo la gente superviviente de un gran guerra esperan confinados en un inmenso edificio, y esperan a ser trasladados a una isla, el único sitio en todo el planeta libre de la contaminación. Evidentemente hay sorpresas, pero todo el mundo ya las sabe, porque el trailer se ha encargado de desmenuzarlas casi todas.
La primera hora es algo atípico en el cine de Bay, se toma su tiempo para presentarnos unos personajes totalmente lineales y sin interés alguno. El problema de esta primera mitad es que Bay no está capacitado para hacer cine "tranquilo", entonces llena la pantalla de efectos de sonido absurdos que no vienen a cuento, como si quisiera ir creando un clima. Otro enorme problema es que en esta primera mitad se crean en el guión errores de planteamiento alarmantes, de esos que hacen que te lleves las manos a la cabeza, o sea, toma al espectador como un verdadero idiota.
La segunda hora es puro cine Bay, o sea, acción a raudales, pero claro, ya estamos bastantes cabreados y no nos importa demasiado lo que ocurra a partir de ahora. A pesar de que las escenas están bien filmadas (faltaría más en los tiempos que corren, si fuera lo contrario, apaga y vámonos) éstas no tienen personalidad y no atrapan al espectador. Hay un larguísimo momento de acción, en parte copiado de su anterior film (y mejor rodado en él) que raya lo inverosímil por su resolución, a parte de ser completamente mareante.


El gran problema de este film es que no engacha al espectador y demuestra que están bien lejos los tiempos de LA ROCA, verdadera maravilla de este tipo de cine.
Tampoco sé que coño hace en un film así Scarlett Johansson, totalmente desaprovechada en un papel ridículo y para rellenar.
Pero no voy a ponerla a parir en su totalidad, tiene sus cosas buenas, aunque no lleguen para salvarla de la quema. Ewan Mcgregor, que se lo pasa en grande en su doble faceta. Algún apunte de guión inteligente que destaca sobre tanta basura, y la escena final, un momento verdaderamente emocionante. Muy Floja.

Una película de muertos vivientes

"VIDAS REBELDES"
Dirigida por John Huston, supuso las últimas apariciones en pantalla de dos mitos como Clark Gable y Marilyn Monroe, que fallecieron escasos meses después del rodaje.
También aparece en el reparto Montgomery Clift, muy demacrado físicamente, y es que los tres parecen cadáveres andantes, en una película que trata además del ocaso de una época, o sea que la elección de los actores es un acierto. Otro tema, bien distinto, es que da pena verlos así. Que lejos quedan los tiempos de, por poner tres ejemplos, LO QUE EL VIENTO SE LLEVO, CON FALDAS Y A LO LOCO o LA HEREDERA.
Narra como una mujer (Monroe) se acaba de divorciar, y traumatizada por tal acontecimiento, decide pasar unos días con unos vaqueros, y probar otro modo de vida, a ver lo que ocurre y qué es lo que siente.
La presentación de personajes está un poco forzada, así como algunas de sus situaciones.


A nivel interpretativo creo que solo se salvan Gable y su imagen de vaquero rudo añorador de otros tiempos, y Eli Wallach, como su envidioso amigo, un eterno secundario ya mítico. Clift está bastante desganado, y la Monroe, digan lo que digan, nunca me pareció buena actriz, su personaje aquí, además, resulta odioso.
Afortunadamente el buen hacer de Huston logra salvar de la quema el producto, imprimiéndole un buen ritmo y no haciéndola aburrida.
El guión corre a cargo de Arthur Miller, que de aquella se estaba divorciando de la Monroe, y eso se nota en la película; las mejores frases salen de boca de ella. Que Miller no tenía las cosas claras en la historia se nota un pelín, sobre todo en su parte final, que está cogida por los pelos.
A destacar la impresionante banda sonora de Alex North. Correcta.

Estais todos invitados

El próximo 8 de agosto hará unos ...y5 años que vine al mundo, asi que he decidido celebrarlo con una fiesta "íntima".
Y como esto de los blogs es la hostia, mis amigos bloggeros estais invitados, a ver: Brianda de CONTRACORRIENTE, Lidia de TAL VEZ SOÑAR, Mambo de EL MAMBO TAXI, Ferre de RETROKLANG, Alf de MALACIENCIA, Agente Cooper, Augie March, Morritos Jagger, Yojimbo, Justicia Infinita, Spifer y Rubén Rodriguez, que creo ese día andará por Barcelona, pero no importa, te sentiré a mi lado, amigo.
No me olvido del gran Jeremy Fox de MOONFLEET, pero ya tuvimos nuestra celebración particular ayer ¿verdad Jeremy? no dejes de visitar mi blog el día 19.
Hala, asi me evito hacer invitaciones uno por uno. Sí, ya sé que algunos no podreis venir, no importa. La reunión puede ser DE CINE. Ea.
Algunos ya sabeis adonde ir, para los que no, la dirección la encontrareis en cafegalegomaeloc.info.

El universo de Takashi Miike (y 3)

"DEAD OR ALIVE III"
Bueno, pues ya he acabado con la famosa trilogía del señor Miike, gracias a la generosidad de Spifer, ya te devolveré el favor, ya.
Esta tercera entrega está ambientada en el año 2346, en un futuro que ya se sabe, las relaciones sexuales están prohibidas, todo dios está vigilado, y por si fuera poco los humanos conviven con replicantes, ¿os suena esa palabra? Un policía se topará con uno de esos replicantes, y en medio de una guerra de mafias, se enfrentarán a vida o muerte, como mandan los cánones del género.
Una vez más Miike hace gala de su mal gusto para rodar todo tipo de escenas, sean de acción, intimistas o de lo que le de la gana.

Las interpretaciones son verdaderamente penosas, casi de risa o paródicas, claro que si ese es el tono de la película, yo no lo he pillado.
El guión... ¿pa qué?¿pa que me voy a extender, cuando él no lo hizo?
Así pues, y después de haberme visto la mayor parte de su filmografía, Miike pasa a engrosar la lista de grandes inútiles del séptimo arte, al lado de Ken Russell, Antonioni, Passolini, Almodóvar, Tarantino, los Coen, etc, etc. Bodrio.

Jeff Buckley: "Hallelujah"

Nuevo tema musical para la radio de este blog.
Buckley es un caso parecido al de James Dean, pero en el mundo de la música; murió antes de conocer su éxito. Se ahogó en un río mientras nadaba, dicen que deprimido porque la compañía de discos no quería lanzar su nuevo trabajo. Su desaparición fue trágica, corrió la misma suerte que su padre, el mítico Tim Buckley.

Su voz es de las que no dejan indifirente, nunca sabremos lo que habría cambiado la Música si no hubiera muerto a la temprana edad de 31 años.
Este tema es una versión de uno de Leonard Cohen; es tan buena que hace suyo el tema. Espero que os guste.

Sesión entre amigos (8)

"SIN NOVEDAD EN EL FRENTE"
Estaba claro que después de la última sesión, esta vez tocaría algo completamente distinto, afortunadamente.
Dirigida en 1930 por Lewis Milestone, esta emocionante película sigue erigiéndose como un tremendo alegato antimilitarista.
Narra, como en la Primera Guerra Mundial, un grupo de jóvenes alemanes son alentados para alistarse en el ejército, e ir a combatir y morir, si es preciso, por la Patria. Evidentemente, en el campo de batalla las cosas se ven de otro modo, mucho más duro y cruel.


Uno de los aciertos del film el haber escogido a rostros poco conocidos para los distintos papeles, salvo quizás Lew Ayres, un actor famoso en los primeros años del Cine, y que luego no se prodigó mucho. De esta manera, el espectador no se siente condicionado por la presencia de estrellas famosas (tampoco digo que lo contrario sea malo), así ven a personas de la calle, normales y corrientes, podrían ser nuestros vecinos, con lo cual te acercas más a los personajes.
La dirección de Milestone es ejemplar; las enormes secuencias bélicas demuestran una destreza única, y las intimistas una enorme sensibilidad. Su labor sería recompensada con un merecidísimo Oscar a la mejor dirección, asi como la película, que sería la triunfadora de aquel año.
Como dato anecdótico decir que la película carece de música, salvo en dos momentos: los títulos de crédito iniciales, y en su impactante, por bella, secuencia final, que pone la carne de gallina. Magistral.

Dulce aroma de éxito

"CHANTAJE EN BROADWAY"
Dirigida en 1957, por Alexander Mackendrick, quien luego se iría a Inglaterra para realizar películas para la mítica productora Ealing. De él os recomiendo que veais una impresionante película con Anthonny Quinn titulada VIENTO EN LAS VELAS.
En el extraordinario guión de este film colaboró el prestigioso Cliford Odtes, que también hizo sus pinitos como director, suya es aquella maravilla titulada UN CORAZON EN PELIGRO, con un insólito Cary Grant.

Es una película que habla sobre el poder y sus consecuencias, ambientada en el mundo del periodismo. Burt Lancaster interpreta a un columnista cuya palabra va a misa, y Tony Curtis a un reportero sensacionalista en busca de chismes, y que desea el éxito a cualquier precio.
El duelo interpretativo de estos dos actores es de lo mejor que se ha visto en una pantalla, Lancaster con una dureza increíble, y Curtis impagable como hombre sin escrúpulos aunque parezca lo contrario; es curioso que este actor con el tiempo haya ido a peor, aquí está sensacional.
La dirección de Mackendrick es sobria y perfecta, colocando la cámara en el sitio menos pensado para luego moverla sutilmente ayudando a la acción, y narrando los hechos con una mezcla de durez y sencillez que quitan el aliento; da la impresión de que ser director es fácil.
Puede que la historia hubiera dado para más, esa es la sensación que queda. La extraordinaria fotografía, y la excelente música de Elmer Bernstein ayudan a redondear el producto. Muy Buena.

Sesión entre amigos (7)

"DOS COLGAOS MUY FUMAOS"

Buff, todavía no sé lo que nos llevó a elegir esta película para una de nuestras sesiones cinéfilas, en las cuales, desde luego, hay un montón de diversidad.
Siguiendo la estela de películas como COLEGA, ¿DONDE ESTÁ MI COCHE?, nos narra una alocada noche de dos amigos, uno coreano y otro hindú, por eso de poner unas pinceladas interraciales, que se empeñan en ir a cenar unas hamburguesas de una marca en concreto, otras no les valen. Ni que decir tiene que en su "viaje" les pasará de todo, y encontrarán a un montón de gente "distinta".
A su favor, decir que los protagonistas, aun pasándose todo el rato gritando, son más soportables que otros "simpáticos" actores como los "atontaos" Ashton Kutcher o Sean William Scott. También tres gags absolutamente geniales en los que me reí sin parar.
En contra, todo lo demás, que no vale absolutamente para nada. Floja.

Mis frases favoritas de Cine (3)

"Vos sois como el viento, y yo como el león,
vos formais la tempestad, a mí la tierra me hiere los ojos
y el suelo está requemado.
Yo rujo en desafío, pero vos no me ois.
Más existe, entre nosotros, una diferencia
yo, como el león, debo permanecer en mi puesto
mientras que vos, como el viento, nunca sabreis el vuestro"




Sean Connery, of course, en EL VIENTO Y EL LEON

Silvia Scarlett

"LA GRAN AVENTURA DE SILVIA"
Dirigida en 1935 por el maestro George Cukor, esta fue la primera colaboración de dicho director con Cary Grant y Katharine Hepburn, evidentemente dos de los más grandes.
Narra las peripecias de un grupo de timadores comandado por Grant y en el que la Hepburn, a veces, se hace pasar por un chico. De como el amor se cruza en las vidas de los distintos personajes, y de lo que ello conlleva.
A pesar de que el guión cambia varias veces de rumbo (sería su único defecto) sin saber muy bien a dónde va, la película es una entrañable comedia dirigida con sensibilidad por Cukor, y donde los personajes femeninos tienen especial relevancia, como en todo el cine de su director. Después de todo, a Cukor siempre se le consideró el mejor director de actrices de todos los tiempos, algo con lo que estoy completamente de acuerdo.

Desde luego hay algo que sobresale en este film, sus interpretaciones, absolutamente geniales, desde Cary Grant bordando a ese maravilloso sinvergüenza, pasando por Edmund Gwen, un hombre mayor enfermo de celos, y por supuesto, la maravillosa Hepburn, haciendo una composición única, de hecho, cuando hace de chico estás viendo a un chico, y cuando hace de chica expresa una enorme fragilidad. Era grande esta mujer.
Cukor perfeccionaría su estilo con ambos actores en las posteriores VIVIR PARA GOZAR e HISTORIAS DE FILADELFIA, títulos míticos donde los haya. Ya no se hacen películas así. Muy Buena.